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Red de Mentiras

Sun, 16 Nov 2008 23:22:45 +0000

Algo extraño tienen las películas con temática de terrorismo yihadista para fracasar miserablemente en territorio norteamericano y el hecho de que una propuesta con tres de los nombres más potentes del cine actual no haya sido una excepción lo confirma. No se si será conciencia culpable respecto al tema de oriente medio o sencillamente que la gente está hasta los mismísimos de tanto terrorista suicida, pero con la tontería se han perdido una de las mejores películas del año, no en cuanto a fondo del asunto, sino en cuanto a rabioso entretenimiento. No hay duda de que salvo contadas excepciones las películas de Ridley Scott (el mejor de los hermanos Scott no lo olvidemos) resultan un espectáculo visual de primer orden. Su capacidad para manejar enormes presupuestos y rodar películas con una rapidez y eficacia envidiables no conoce límites. Los únicos que se le emparejan serían Woody Allen o Clint Eastwood, pero en las antípodas en cuanto a estilo y presupuesto. Pero una de las cosas que más asombran de este enorme director es su capacidad para sacar petróleo de guiones bastante normalitos. Y aquí, de nuevo como ya pasara con «American Gangster», la sensacional y reinvindicable «El Reino de Los Cielos» o la portentosa «Black Hawk Derribado», esta nueva película no es un excepción. La historia supongo que tiene su complicación, pero a la larga es lo de menos ya que resulta bastante previsible y facilona en cuanto a su resolución. Di Caprio es un agente de campo encargado de finiquitar a una célula de terroristas que opera el oriente medio, para ello contará con la ayuda, aunque esto es un decir, de su superior, un jefazo de sección de la CIA que opera desde los EEUU y que siempre está pegado al teléfono interpretado por Rusell Crowe. Todo esto amenizado con tramas secuendarias, unas más acertadas que otras. La cosa no da más de sí. Lo bonito del tema es que el envoltorio es sencillamente fascinante. No porque la película esté plagada de secuencias de acción, (hay un par o tres cortitas en todo el film, eso sí, impecables y muy realistas), sino por la capacidad de Scott para hacer que todo resulte más que creíble, muy emocionante. Para ellos cuenta con dos actores en absoluto estado de gracia. Di Caprio está como casi siempre fenomenal en un papel muy parecido al que ya interpretó de forma magistral en «Diamantes de Sangre». Atención a la secuencia de la tortura o a cualquiera de los momentos que interactúa con Crowe y sobretodo con un sensacional Mark Strog interpretando al jerifante de inteligencia jordano. Pero de nuevo es Rusell Crowe el que se lleva la palma, destila ironía, sarcasmo y veracidad en otra más de sus camaleónicas interpretaciones. Da miedo que un hombre pegado al teléfono sea capaz de ordenar ejecuciones y disponer de las vidas de las personas mientras hace el desayuno de sus hijos o ayuda a uno de ellos a hacer pis. La gordura de la que hace gala podría valer como perfecta metáfora de una política intervensionista yanqui que se ha mostrado más como una parte del problema que se vive a nivel mundial que como solución del mismo. Aunque podría no significar nada más allá de que se ha pasado con las hamburguesas. Pero eso es lo de menos, ya que aquí lo que importa es el puro entretenimiento. De nuevo Scott se recrea en el estilo que le ha hecho famoso, lleno de tomas espectaculares desde diversos ángulos tomadas con multitud de cámaras, montaje rápido pero nada molesto, colores saturados y obsesión por la estética preciosista con los que conforma una puesta en escena única y capaz de hacer emocionante hasta el avance de unos vehículos por el desierto. Scott 100%. Atrás quedan los flecos de un guión escasamente relevante y que no aporta nada verdaderamente nuevo, un personaje femenino de muy poco peso con el que se introduce una intrascendente subtrama amorosa y el hecho de que finalmente a uno le importe un bledo si lo que te cuentan es verdad, podría ser verdad o es una incoherencia tras otra. Hasta ahí llega el genio de este prestirigitador del séptimo arte. Mi recomendación es, desde luego, no perdérsela. Carlos Polite

Sólo quiero caminar

Tue, 04 Nov 2008 10:10:11 +0000

Tras haber visionado toda la filmografía de Agustín Díaz Yanes, lo cual tampoco supone un enorme merito habida cuenta de sus cuatro film como director, sí que se puede llegar a una conclusión, a saber, es una persona a la que le viene que ni pintado el dicho quien mucho abarca, poco aprieta. Resultan innegables sus dotes como director de cine potente y con un estilo visual áspero, realista y contundente, como innegables resultan sus carencias como guionista de todas sus películas, compendios de grandes momentos a la par que mucha confusión y momentos huecos llenados con mucho oficio por la estética. Su nuevo film no es un excepción. Recuperando al personaje central de su opera prima Nadie Hablará de Nosotras Cuando Hayamos Muerto, una Gloria Duque que la gran Victoria Abril bordaba en aquella y que en la presente no deja de ser un personaje secundario de lujo desaprovechado, se fragua en el contexto de México DF una historia de robo y venganza llevada a cabo por tres mujeres contra un capo de la mafia mexicana. A pesar de sus carencias, como he comentado más como guionista que como director, siempre resulta gratificante ver una película de Yanes. Es un personaje que no tiene miedo por el riesgo y por llevar a cabo productos nacionales que se salen de lo habitual tanto por estética como por temática y cuyo acabado formal es siempre impecable y poderoso. Pero a la par, su afán por contar demasiado en poco tiempo hace que muchas veces sus películas se queden a medio camino entre la intención y el resultado (claro ejemplo lo tenemos en Alatriste donde la obsesión por contarlo todo en una película hacía que el conjunto se quedará a medias de un desarrollo plenamente satisfactorio). En este film todo resulta desgarrador, desagradable y envilecido. Poco resquicio para la esperanza entre tanto matón sin escrúpulos del que sólo se salva un extraordinario Diego Luna gracias a un código que excluye mujeres y niños de sus habituales fechorías, herencia de su joven y amada madre muerta a manos de su padre, en un claro complejo edípico. Nos encontramos de esta forma ante una película más de situaciones, obras y actos que de palabras. Esto implica una dificultad añadida a la hora de componer personajes, ya que cobran capital importancia las miradas y los gestos. Es en este momento donde la película genera sus mayores virtudes y sus peores defectos. Su mayor virtud, los personajes interpretados por Diego Luna y Ariadna Gil y su historia de amor con tintes de tragedia. Ariadna es una actriz gigantesca y total y su interpretación de este personaje que destila tristeza y desazón sin abrir prácticamente la boca en toda la película sólo se puede catalogar de magistral. Su mirada perdida y taciturna es lo más real que nos encontramos en la cinta. La réplica la tenemos en un inhabitual Diego Luna, componiendo con esa cara angelical el papel de un matón al que todos acabamos apreciando y cuyo destino viene marcado por su propia leyenda. Pero de aquí salen también sus peores defectos, ya que el resto de personajes resultan bastante desdibujados y ausentes. Elena Anaya siendo el detonante de la acción está pero sin estar, Pilar López de Ayala se esfuerza pero en ningún momento consigue hacer mucho con su apocado pero resuelto personaje y Victoria Abril resulta una pálido reflejo de su poderoso personaje de antaño. Si a esto le unimos el que por momentos la trama resulte un tanto increíble y confusa hace que cierta sensación de irrealidad pugne con la intención de realismo extremo propuesta por el director. Es en su faceta de realización donde vuelve a brillar Yanes. Lo físico se impone al fondo con absoluta contundencia. Yanes no solo mueve la cámara con saber hacer y mucha soltura, sino que tiene la virtud de saber utilizar las canciones y la banda sonora de una forma tan contundente que convierte en excitante casi cualquier secuencia, para muestra la brillantez del inicio de la película usando una academia flamenca para tapar el ruido del robo inicial o el momento en el que Diego Luna llega al lugar donde su jefe tiene el despacho. Sin embargo todo ello no tapa las carencias de una historia que se acaba quedando algo coja. ¿Que conclusión podemos sacar de todo esto?. Pues que el día que Yanes consiga dotar a sus historias y guiones del mismo poderío que a sus imágenes y brillante puesta en escena, estaremos ante una de las obras magnas de nuestro cine. Mientras tanto habrá que seguir esperando y desde luego disfrutando de un producto que aun resultando algo fallido, atesora muchas virtudes como para dejarlo pasar de largo. Carlos Polite

Sitges premia por sorpresa "Surveillance" de Jennifer Lynch

Thu, 30 Oct 2008 00:05:14 +0000

La decisión del jurado encabezado por el realizador italiano Umberto Lenzi y el actor norteamericano Fred Williamson sorprendió a propios y extraños al tratarse de un film cuyo reconocimiento nadie preveía en el palmarés. Thriller de trama sencilla pero bien ejecutado que se suma a la actual reivindicación de los valores y las posibilidades del American Gothic de los 70, Surveillance posee cierta resonancia del imaginario David Lynch, padre de la directora de Filadelfia. Sin embargo resultó obvio el Premio a la Mejor Dirección para Kim Jee-woon por su trabajo tras la cámara en The Good, the Bad, the Weird, western a la coreana que ejerce de superproducción partiendo del mítico film de Sergio Leone, El bueno, el feo y el malo. Un espectáculo en estado puro, repleto de trepidantes persecuciones y duelos, todo ello impregnado con altas dosis de humor. En cualquier caso, la vencedora moral del certamen ha sido The Sky Crawlers de Mamoru Oshii, Premio de la Crítica y del Jurado Joven, además de conseguir el reconocimiento a la Mejor Banda Sonora gracias al conmovedor trabajo de Kenji Kawai. La obra sobresale especialmente por el virtuosismo de la animación y por su trasfondo reflexivo e inquietante. Oshii, convencido del poder filosófico que puede emanar del dibujo, plantea un mundo necesitado de guerra para poder alimentar las ilusiones pacifistas. Gran favorita, la película sueca Déjame entrar de Thomas Alfredson se alzó con el Meliés de Oro a la mejor producción europea. Cruda visión del maltrato y el acoso escolar pero inscrita en el género de vampiros, esta adaptación de la novela Let the Rigtht One In ha fascinado tanto a críticos como a público. En una línea próxima a El laberinto del fauno forma parte de esas cintas que podrían ser contempladas como cuentos góticos que se esfuerzan por plasmar el complicado universo infantil sin descuidar los elementos fantásticos. El Meliés de Plata y el Premio a los Mejores Efectos de maquillaje fue para la polémica Martyrs segundo largometraje de Pascal Laugier, posiblemente uno de los film más extremos y sangrientos de Sitges 2008. Si Alta Tensión marcó la orientación que el cine francés de género posterior seguiría, Martyrs demuestra que aún se puede avanzar más en esta tendencia, catalogada por algunos críticos como gore realista francés, con imágenes y secuencias ultra violentas de tortura y mutilación. El Gran Premio del Público encumbró a la aplaudida Blindness de Fernando Meirelles un ensayo fílmico basado en la obra de Saramago Ensayo sobre la ceguera. Una extraña epidemia de ceguera que siembra el caos en todo un país, sirve a su autor para demostrar que la invidencia no es más que la excusa para que afloren los peores instintos del ser humano. Una historia que enfatiza los dilemas morales, las conductas perversas y la paranoia generalizada aunque la multitud de preguntas planteadas no hallan respuestas concretas. En el apartado de títulos asiáticos, la gran triunfadora fue The Chaser de Na Hong-jin, Premio Orient Express. Suspense truculento que denuncia la ineptitud de un sistema policial y jurídico corrupto, destacando la capacidad de su joven realizador para trabajar más con la acción que con el diálogo. Y aunque se fue de vacío, Hansel y Gretel de Pil- Sung Yim, film de fantasía con pinceladas siniestras, es una de esas películas que no podían faltar en el repertorio del festival y que agradan enormemente. El coreano ofrece una visión un tanto particular y tenebrosa del dulce cuento alemán Hansel y Gretel. Partiendo de la aparente inocencia que pudiera tener el universo del cuento infantil su director consigue trasformarlo abriendo enormes posibilidades para el terror, en el que los pensamientos más perversos y oscuros se convierten en algo real. Probablemente y una de las cosas más llamativas de la película sea la dirección artística, una magnífica puesta en escena en la que se cuida hasta el más mínimo detalle. En el capítulo de decepciones queda por un lado Vinyan de Fabrice Du Welz(Premio del Jurado Joven), largometraje un tanto anárquico que no encaja claramente en la definición de género, pues no es una cinta de terror convencional en la que haya sobresaltos continuos o gore. Por el contrario, está más centrada en el drama de un matrimonio marcado por la pérdida de un hijo como consecuencia del tsunami que asoló Tailandia hace unos años. Por otra parte errónea resulta la consideración de Tale 52 del griego Alexi Alexiou en el apartado de guión, una cinta de suspense compleja pero inteligible que podría ser vista como un retrato sobre la esquizofrenia y los celos. Una de esas propuestas intrincadas en un programa que en cambio ofrece también ligereza gracias a obras como The Cottage (una entretenida comedia negra del británico Paul Andrew Williams en la que se combina el humor disparatado con el terror más grueso) o Absurdistan de Veit Helmer (donde se parte del estilo realista mágico de Jean Pierre Jeunet para crear una divertida comedia romántica). La gran tomadura de pelo ha sido Reality Killers, una de esas películas en las que el marketing supera al producto. Autoría anónima para un proyecto que aparenta ser una snuff movie en la que se difumina la frontera entre lo permitido y lo prohibido tanto en el plano cinematográfico como en el moral. La violencia se convierte en puro morbo utilizando para esto un lenguaje brutal y vacío de contenido. Finalmente, uno de los grandes éxitos de esta edición ha sido Otto; Or Up with Dead People del controvertido director canadiense afincado en Alemania Bruce Labruce. Tres sesiones que colgaron el cartel de no hay entradas para una producción en la que el discurso político de George A. Romero se aplica a un contexto contemporáneo con la intención de facturar la primera película pornográfica de zombies gays. Toda una provocación que no sólo se conforma con mostrar imágenes macabras y escenas de sexo entre muertos sino que se sirve de ellas para hacer critica social y política. Si pensábamos que las películas de muertos vivientes tenían poco que ofrecer, ésta sorprende por su descaro a la hora de afrontar la crisis de identidad de su protagonista. María José López Navarro

"Fitzcarraldo"

Tue, 28 Oct 2008 19:16:48 +0000

Dios tiene el rostro de Fitzcarraldo y la voz de Enrico Caruso. Al menos esa es la impresión que uno tiene cuando contempla el Molly·Aida subir la cuesta de una montaña con los esfuerzos faraónicos de una tribu de jíbaros que se entrega hasta la muerte a lo que ellos creen una misión divina. Mientras tanto, Fitzcarraldo observa su hazaña desde lo alto de su barco y alcanza el éxtasis cuando Caruso llega a la apoteosis de su voz. Semejante espectáculo no puede entenderse sino la contemplación del hombre jugando a ser Dios y violando los límites de las deidades en los lugares últimos de la tierra, en el corazón del Amazonas y las tinieblas. Es Fitzcarraldo, obviamente, hermana de Aguirre, la cólera de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes, 1972). Una hermana más condescendiente con el destino de su personaje, pero de unas pretensiones no mayores, sino gigantescas: cine llevado al límite de la naturaleza del hombre y su sitio en la tierra, cine capaz de tirar abajo montañas y crear una de las visiones más imposibles que el celuloide ha dado. Fitzcarraldo, como Aguirre, significa las intenciones suicidas de un director y un actor que en su relación de odio y respeto mutuo construyeron dos de las películas más oscuras, terribles y rotundas de la historia. Cierto es que el personaje de Fitzcarraldo no es un igual de Aguirre. El conquistador es un loco violento, iracundo que desempeñará su misión suicida hasta que la vida se lo lleve en ello. Brian Sweeney Fitzgerald 'Fitzcarraldo', sin embargo, es un soñador. Un hombre que ama la ópera por encima de cualquier otra cosa en el mundo, y que vive y se alimenta de sueños imposibles. Fracaso tras fracaso, Fitzcarraldo se empeñará en un intento más de pasar a la historia, a saber fábricas de hielo en medio de la selva o ferrocarriles que no van a ninguna parte. Pero su sueño máximo se deriva, cómo no, de su amor incondicional hacia la voz de Caruso: construir una ópera en medio del Amazonas y que sea el legendario tenor el que la inaugure. Y sí, todos aquellos que le rodean salvo quizás su bienamada Molly (Claudia Cardinale), único ser capaz de entenderle y amarle, se burlarán de sus intenciones quijotescas, una vez más. Y una vez más, las burlas colisionarán con un empecinamiento acorazado instalado en la locura y en la insolencia. En un momento dado de esas intentonas de la humillación de Fitzcarraldo, la rebelión del personaje le sitúa por primera vez en la película por encima del resto de la despreciable humanidad que le rodea, y el rostro ido de locura de Klaus Kinski le espeta a sus adversarios tremebundas palabras: "Señores, la realidad de su mundo no es más que la mala caricatura de una gran ópera". No es el único ejemplo de insolencia de deidad que encontramos en él; en otro pasaje de la película, uno de los miembros de su tripulación le explica cómo los jíbaros llevan tres centurias vagando por la selva a la espera de que un dios blanco aparezca con su embarcación (el traje blanco en el que Kinski se halla embutido durante toda la película se convierte, por tanto, en una de las señas de identidad más poderosas del personaje). Fitzcarraldo responde, sin asomo de detenimiento ni compasión, que entonces sacarán partido del mito. Es imposible entender por completo Fitzcarraldo sin comprender que aquello era, una vez más, un violento choque de los egos titánicos de Werner Herzog y Klaus Kinski cuyos resultados podrían ser tan imprevisibles como la locura o la muerte misma. Hoy sería inconcebible que en cualquier rodaje, por desproporcionado que fuera, se puedieran dar desastres semejantes a los que se dieron en el de Fitzcarraldo: desde los destrozos monumentales causados por la propia naturaleza en forma de avalanchas de barro, entre otros, hasta enfermedades epidémicas, ataques de locura y muertes. El rodaje de Fitzcarraldo fue, por lo tanto, un desafío de excesos que tuvo fatales consecuencias y que fue retratado por Les Blank en el documental Burden of dreams (1982). Es también una muestra de hasta qué punto el cine puede superar a la propia realidad desde el momento en que somos conscientes de que ese barco que vemos trepar la montaña es la culminación exitosa de una de las empresas más descabelladas en las que se ha embarcado el séptimo arte; en otras palabras, Herzog hizo que el barco realmente trepara la montaña. Y así, la mera imagen de la lenta escalada del Molly·Aida se revela como una epifanía resultante del poder del cinematógrafo, bella e increíble, con un aura de unicidad de la que al espectador hipnotizado le cuesta reponerse. Fitzcarraldo es una obra de un tremendismo indecible. Equiparablemente enfermiza a Aguirre, es sin embargo menos furiosa y sus conclusiones dan con una concesión a la felicidad de su personaje que nunca habría tenido lugar en aquella. En la derrota que el hombre debe aceptar como precio por su desmesurado ego, por su reto insolente al mismo Dios, Fitzcarraldo aún encuentra una pequeña victoria en una representación a bordo de una ópera que prolonga ese estado alucinatorio que parece invadir la magnánima obra de Herzog y que necesita perpetuarse hasta los créditos de forma que este nunca abandone recodo alguno de la misma. El director alemán siempre señaló Fitzcarraldo como su mejor obra, afirmación discutible e pero indiscutiblemente significativa, pues esta fue sin ningún género de dudas su proyecto más grandioso, pretencioso e insensato. El magistral resultado es la última palabra de una demente genialidad que lo mismo significó detrás y delante de la cámara: el triunfo de un loco soñador llamado Herzog, llamado Fitzcarraldo... Jordi Revert

"Angustia de Silencio"

Tue, 28 Oct 2008 18:18:40 +0000

La tranquilidad de una comunidad rural se ve alterada por el asesinato de un niño de forma violenta, provocando la alarma entre los vecinos y de unas autoridades que necesitan, con urgencia, a alguien a quien culpar. Lucio Fulci dirige la que es una de sus cintas más respetadas y reconocidas, Non si sevizia un paperino (Angustia de Silencio, 1972) contando con la colaboración musical de Riz Ortilani y con un reparto donde por encima de todos va a destacar la poderosa actuación de Florinda Bolkan, que también había protagonizado su anterior incursión en el giallo, Una lagartija con piel de mujer. A pesar de la polémica que rodea a muchas de sus secuencias (algunas de ellas relacionadas con la pedofilia) y de su controvertido twist final (tan previsible como audaz, fundamentalmente por el tamiz crítico que sugiere su análisis), Angustia de Silencio todavía representa el canto de cisne de un cineasta demasiadas veces tentado por el efectismo y la truculencia, caracteres que terminó desterrando a las marismas de la consideración crítica a buena parte del conjunto de su obra, a pesar de los aciertos parciales (fuerza visual incluida) que caracteriza a sus mejores películas. Aquí Fulci narra de manera ágil, por un lado, apoyando las pesquisas de los investigadores (policiales y periodísticos) y de otro, filmando la cotidianidad de las víctimas y de aquellos de los que se sospecha, sin que en ningún momento tome partido por uno o por otro, antes al contrario: mostrando motivos punibles para todos. En oposición a otros thrillers de estructura similar modalidad whodunit- Lucio Fulci no deja para el final el desenmascaramiento del sospechoso sobre una terna de varios sino que lo va a acorralando a medida que la propia historia va descartando a aquellos que, en principio, lo parecen, contribuyendo a crear un clímax cada vez más desasosegante y enfermizo, cualidad necesaria en todo caso- para que todas las piezas terminen por encajar en el puzzle argumental propuesto. Contenedora de la que es la mejor de cuantas secuencias se atrevió a planificar el director romano (el brutal linchamiento de uno de los sospechosos en un cementerio preñado de tumbas, odio y cadenas expiatorias), Angustia de Silencio se constituye en el mejor exponente de un Cine situado a medio camino entre el gótico de ascendencia rural (subgénero al que homenajea con varios guiños, incluyendo la presencia de una bruja vengativa) y el giallo propiamente dicho (un subgénero de filiación urbana que encuentra en este contexto extraño una identidad propia). Sin embargo, su principal virtud no es tanto el género en el que adscribe sino su contexto y dentro de éste: los continuos contrastes a los que lo somete. En el pueblo, ubicado en mitad de un valle, todavía juega un papel preponderante la superstición y los ajustes de cuentas particulares. Los coches que atraviesan la autopista que secunda el valle pasan de largo ajenos a cualquier disputa interna, como si, de veras permanecieran a otro mundo, y los que no pasan de largo no tardan en saberse integrantes de otra sociedad, quizá opuesta (como el periodista que investiga el caso, o la joven heredera que provoca los recelos de la comunidad rural), cuya proximidad y alcance pone en jaque la idiosincrasia rural, provocando una pugna latente cuya naturaleza se intensifica a medida que se van sumando cadáveres y sospechosos; demostrando con hechos que la distancia entre ambos mundos es mucho mayor que la autovía que los separa. La misma distancia que separaba a Fulci de cualquiera de los directores de su generación, por cierto. J. P. Bango

La contracrónica de Sitges 2008

Wed, 15 Oct 2008 14:59:19 +0000

Algo debe tener este pueblo de la costa catalana para haber dado pie al festival de género fantástico y de terror más influyente e importante del globo. Será por el clima, por el buen ambiente o por ese maravilloso público friki y sufrido, en este caso más que ningún otro, maltratado por distribuidoras y por productos que en su mayor parte no están a la altura de su infinita paciencia. Ni en el festival se libran de eso, ya que si bien el género da para tragar grandes dosis de basura, los organizadores de festivales como éste deberían quizá tener un poco más de cuidado a la hora de seleccionar según que material y no confundir el mencionado frikismo con estupidez. Si bien esto es un leve reproche, también hay que romper una lanza a su favor, no ya solo por la dificultad que entraña dicha selección, sino por la pasión que ponen en el empeño. Cuatro días ha durado mi primera experiencia festivalera. Tengo que decir que a pesar del mal nivel exhibido por la mayoría de las películas que he tenido el gusto o disgusto de visionar, han sido cuatro días que sólo puedo catalogar de extraordinarios, divertidos y entrañables. Pero vayamos por partes y por días. El primer día del festival fue lo que podríamos denominar cinematográficamente durito. Y no me refiero a la crudeza de las películas, sino a su nula calidad y en algunos casos a su desvergüenza torera. La tarde comenzó con EXTE: HAIR EXTENSIONS de Sion Sono, a la que también podríamos titular El Pelazo Asesino. Ya llevábamos una temporada sin fantasmas de pelo negro y tez color marfil cuando de repente a alguien se le ocurrió dar un giro que sin duda debió entender como original: ¿Qué os parece si directamente prescindimos del fantasma y nos centramos en lo capilar?. Venganza de ultratumba del pelo de una pobre muchacha utilizada por unos desaprensivos para la venta de órganos en el mercado negro y rescatada en la morgue por un sobreactuado fetichista del pelo. El delirio viene aderezado por una historia paralela de conflictividad familiar para darle más empaque al producto. Resultado: un indigno engendro que en ningún momento logra equilibrar la payasada de su premisa con la supuesta seriedad de su trama familiar. Eso genera un problema fundamental, en su vertiente supuestamente terrorífica sólo provoca risa y vergüenza ajena, en su plano serio aburrimiento y desinterés. Dos apuntes para el recuerdo, la presencia como protagonista de la inolvidable villana de Kill Bill Gogo Yubari y un momento digno del mejor Hellraiser en el que una de las infelices víctimas aparece colgada del techo por innumerables extensiones de pelo que le estiran la piel. En definitiva, basura sin paliativos. Aunque lo mejor del día estaba por llegar en uno de los maratones nocturnos. Por lo menos la anterior película, en parte, no se tomaba demasiado en serio asimismo. No se puede decir lo mismo de 100 FEET de Eric Red y THE HIDEOUT de Pupi Avati. Ambas películas enmarcadas en la temática casa encantada, aunque en las antípodas en cuanto al tono y estilo entre ellas. De Eric Red podemos decir que vivió tiempos mejores como guionista de uno de los mejores psicokillers de los años 80, Carretera al Infierno. Aquí se anima a escribir y dirigir un saldo indigno de haberse visionado en un festival con categoría y que a lo sumo merecería una copia de DVD en el rincón más oscuro del video club de mi barrio. Protagonizada por la otrora prometedora Framke Janssen, nos cuenta la historia de una mujer que llega a su casa para cumplir un arresto domiciliario de un año tras pasar una temporada a la sombra por matar a un marido policía y maltratador, limitando su movilidad a 100 pies por medio de una pulsera electrónica colocada en su tobillo. Claro está que el ente de su marido sigue por esas latitudes y se dedicará a propinarle un maltrato con efectos retroactivos desde el día de su muerte. Esto de pie a un pastiche que se diluye entre golpes de efecto multirepetidos en otras miles de películas de género, con puertas que se cierran, ruidos misteriosos, cámaras subjetivas y transitando lugares comunes sin gracia ni acierto, para desembocar en un final digno de la peor novela rosa con poder redentor del amor incluido. Los pelicos como escarpias se nos pusieron a todos. Para el recuerdo una de las muertes más retorcidas y gratuitas de la historia del cine que provocó el aplauso y la chanza unánime de la sala. Sin solución de continuidad THE HIDEOUT de Pupi Avati, director con una inabarcable gama de películas y guiones a sus espaldas. Poco bueno se puede decir de la que aquí me ocupa. Supuestamente basada en una historia real, se ve completamente lastrada por un guión escaso de ritmo y con una galería de personajes que entran y salen de la pantalla con más desatino que acierto. Con todas sus carencias, su visionado resultó infinitamente más ameno que la anterior debido en gran parte a que supone un apreciable ejercicio de estilo, consiguiendo una tonalidad estilo años 70 que le da una mayor aspereza visual que por momentos consigue otorgar al film una capacidad de escalofrio moderada, aunque insuficiente para resultar finalmente satisfactoria. Para el recuerdo, la cuadrilla de la fila de adelante que innecesariamente procedieron a intoxicar su cuerpo con sustancias psicotrópicas sin darse cuenta que la sesión doble ya era droga bien dura. El segundo día de festival comenzó con la rueda de prensa matinal de TRANSIBERIAN , que si bien no tuvimos oportunidad de ver tampoco despertó críticas excesivamente entusiastas. Eso sí, fue un lujo poder ver al mismísimo Woody Harrelson y a un simpatiquísimo Eduardo Noriega en persona. Por la tarde ICHI, suerte de versiónfemenina de Zatoichi de Kitano dirigida por Fumikiko Sori. El problema fundamental de esta película es que no hay mucho que decir de ella, ni bueno, ni malo. Resulta una finalmente correctita película plagada de duelos a muerte de gran fugacidad, malos sobreactuados hasta decir basta, influencias del gran Leone y una historia de amor bastante estomagante y cursi que sonrojaría a la mismísima Corín Tellado. Todo alargado a unos finalmente extenuantes 120 minutos. Para el recuerdo, una malo de turbio bronceado que parece el hermano gemelo de Florentino Fernández. Todavía no era consciente de ello, pero se cernía sobre mi una de las noches de cine más terribles de mi vida, que me llevó por dos veces a abandonar el cine, cosa que hasta esta fecha no había hecho jamás. La cosa empezó con 45 minutos de retraso en un auditorio abarrotado por unas 2000 personas para ver la adaptación del manga CROWS ZERO del inclasificable Takashi Miike, tras una entusiasta plática del codirector del festival sobre las virtudes de este genio del cine y su génesis como cineasta. Pues bien, esta absoluta ignominia vino a corroborar lo que hace ya mucho tiempo es un hecho incontrovertible, que Miike era un globo excesivamente hinchado que explotó hace ya mucho tiempo. Este maltratador del espectador vuelve a hacer gala de su absoluta incapacidad para desarrollar una historia coherente con personajes mínimamente bien construidos (muy atrás quedan los tiempos de su obra maestra Audition), dedicándose a mover la cámara con bastante poco sentido tras unos estúpidos muchachos que se dedican a ir al colegio únicamente para darse estopa sin parar de cara a obtener el control absoluto de las aulas. Resulta verdaderamente escalofriante que esta película haya sido las más taquillera del cine japonés hasta la llegada del último Miyazaki. Para el recuerdo, mi primera salida del cine en 32 años de existencia. Pero la noche era larga. Maratón nocturno de asesinos en serie presentada por el director del festival Angel Sala. Empezamos con REALITY KILLERS de anónimo, al que el adjetivo desagradable le viene muy corto. Historia de un psicópata con una enorme colección de snuff movies que comparte e intercambia con otros de su ralea. Pues bien, la cosa va de ponernos uno detrás de otro videos de estas criaturitas mientras nos sermonea sobre su visión del mundo y de la maldad, todo ello aderezado con una estética deliberadamente feista. Cuando me refería a no tomar por estúpido al personal era por este tipo de películas. Estamos simple y llanamente ante pura pornografía del gore a mayor gloria de la pura gratuidad. Nada tiene sentido ni contenido, todo resulta desagradable, enfermizo y hueco. La proyección de esta mierda ni siquiera se puede amparar en un supuesto estudio de la violencia como fenómeno que fascina e hipnotiza a las masas. Un respeto por favor. Para el recuerdo, la gente solicitando la entrada de la policía para que secuestrara la cinta tal y como había advertido Angel Sala y pidiendo la cabeza de los productores, que al parecer se encontraban infiltrados entre el público. A continuación MUM AND DAD de Steven Sheil, historia de familia disfuncional que se dedica a secuestrar gente en el aeropuerto de Heathrow y hacerla del clan a base de torturas variadas. A pesar de tener más historia que la anterior, poquita más la verdad, provocó la segunda salida del cine a mitad de su proyección. La verdad es que tanta violencia gratuita y el hecho de confundirla con algo provocativo acaba cansando. Como la cosa no daba mucho de sí y la siguiente era una tortura a tiempo real de hora y media titulada THE BUTCHER creo que pocas veces el dicho una retirada a tiempo es una victoria fue más acertado. El tercer día de festival empezó de manera inmejorable. Intenté colarme sin éxito en el pase para prensa de SEXYKILLERS con la finalidad de echar luego un cable al bueno de David con la entrevista al elenco. Tras ser interceptado por dos veces por los servicios de inteligencia de la organización desistí, pero volví para grabar las entrevistas. Fue una gozada y desde aquí mi más efusivo saludo a su director Miguel Martí y sus protagonistas Alejo Sauras, Cesar Camino y la maravillosamente surrealista Macarena Gómez, todos ellos simpatiquísimos y entusiasmadísimos. La mejor de las suertes para su film en taquilla. No puedo decir lo mismo de otro de los actores del reparto de Santos, que ni siquiera se dignó a devolver un saludo. Hasta los mitos más inquebrantables caen. A continuación THE COTTAGE de Paul Andrews Williams. Hasta el momento sin ninguna duda la película más entretenida del festival. Pastiche de cine de terror estilo supervivencia y comedia British desenfrenada que levantó sonoras y merecidas carcajadas en la platea. Sin ser nada del otro jueves consiguió hacerse con el público gracias a su absoluta falta de pretensiones y a unas interpretaciones delirantes y divertidísimas de todo el elenco. Lástima que estos productos no tengan mayor distribución que la estantería del DVD y que finalmente su intrascendencia sea entendida como algo negativo. Para el recuerdo, cualquiera de sus momentos mixtos de gore y comicidad. Y a la tarde llegó una de las sesiones más esperadas del festival. Proyección con todos los honores en el auditorio de SURVEILLANCE, la opera prima de Jennifer Lynch, la hija aventajada del más marciano de los directores actuales, David Lynch. A la postre inmerecida vencedora del festival, desde luego era lo mejor visto hasta el momento, lo cual tampoco quiere decir mucho. Thriller simple, seco, contundente y finalmente muy previsible en torno a la investigación de unos crímenes llevada a cabo por dos agentes del FBI que llegan a una comisaría de pueblo. Si bien hace gala de un estilo depurado y en algunos momentos cercano al de su padre, saturando los colores de la pantalla en sus flashbacks y ofreciéndonos algún personaje excéntrico, si por algo sobresale la película es por su simplicidad y falta de pretensiones. Es evidente que para iniciar su andadura no ha querido complicarse la vida en exceso, lo cual denota virtud y ganas de no sermonear en exceso al espectador o intención de querer darle gato por liebre. Lo que se ve es lo que hay, sin interpretaciones de ninguna clase. Su realización resulta medida, sin excesivos alardes pero del todo efectiva, apoyada en unas magníficas interpretaciones de todo el elenco, con mención especial a Juliet Binoche y Bill Pullman, especie de imitación del inigualable agente Palmer, supongo que como guiño homenaje a su papi. Lástima que la historia no de mucho más de sí y que uno se vaya oliendo el pastel para la mitad de la proyección, si no antes. Un premio a la mejor película que le viene grande y que habrá tenido más que ver con condicionantes comerciales, debido a que las últimos films premiados en el festival no han tenido exhibición en salas de nuestro país. Esto sería digno de análisis y toque claro de atención a los distribuidores nacionales, más empeñados en darnos fatsfoood que cualquier otra cosa, pero eso es otra historia. Para el recuerdo, la pareja del FBI protagonista. Llegamos al cuarto y último día de mi experiencia festivalera. Animo al sufrido lector a continuar si ha aguantado hasta este punto. Por fin llegó la obra maestra de mi breve estancia, SKY CRAWLERS de Mamoru Oshii. Difícil clasificar este film. Se podía definir como una historia de retro ciencia ficción, con una estética futurista post segunda guerra mundial. Narra la compleja historia de unos adolescentes inmortales condenados a luchar en una guerra de aviación inacabable subvencionada por dos grandes empresas a modo de espectáculo de masas para el resto de la sociedad, todo ello con la finalidad de salvaguardar la paz en el resto del mundo. Estos pobres muchachos una vez abatidos vuelven a ser regenerados con el mismo aspecto y mandados de nuevo al mismo lugar pero con la implantación de nuevas personalidades y recuerdos. Obra total en cuanto a fondo y forma, con un virtuosismo estético como jamás se había visto en una pantalla (con permiso de Pixar) y acompañada por una banda sonora impresionante obra de Kenji Kawai (justamente premiada en el festival). El film funciona a todos los niveles, como crítica de un estamento militar, político y social que castra a una juventud incapaz de crecer y que se da siempre de bruces contra un enemigo invencible personificado por el maestro, único aviador adulto al que en ningún momento se pone rostro; como drama existencial y cruel de unos muchachos conscientes de una inmortalidad sufriente; como historia de amor trágico; como absoluta poesía visual. Es probable que tenga dificultades para encontrar un público masivo, debido no solo a su profundidad y complejidad, sino también a un ritmo lento y pausado que puede sacar de sus casillas a más de un espectador impaciente. Para el recuerdo, absolutamente todo, pero sobretodo el poso que la película deja y que uno no percibe del todo hasta días después de su proyección. Estaba prácticamente convencido de que algo tan bueno no podía ser verdad. Efectivamente SANTOS de Nicolás López me bajo de la nube. Absoluto engendro y despropósito que desaprovecha un magnífico casting, nos cuenta la historia.....que coño, si ni siquiera tiene historia. Digamos que es una de super heroes casposilla, consciente de tal casposidad, con un guión demencial y que se pasa de lista pensando que es más graciosilla de lo que verdaderamente es. Todo en la película resulta gratuito, sinsentido, sin gracia y finalmente irritante. Para el recuerdo, los anuncios previos de Teaserland, trailer de películas falsos realizados por diversos directores patrios consagrados. Mención especial al de Juan Antonio Bayona, director del orfanato, pegando una clara tirada a La Soledad (que dicho sea de paso resulta absolutamente insoportable). Y ya por la noche como colofón, el documental NOT QUITE HOLLYWOOD: THE WILD, UNTOLD STORY OF OZPLOITATION de Mark Hartley, repaso de cine Exploitation Australiano. Documental rabiosamente divertido y basado en una constante hemorragia de imágenes repletas de sexo, humor grueso, terror casposo, persecuciones de coche demenciales y mucho frikismo, todo ello intercalado con narraciones de muchos de sus protagonistas y sobre todo de uno de sus mayores admiradores, el señor Quentin Tarantino. El producto es plenamente disfrutable aunque a veces difícil de seguir, ya que los comentarios son constantes y las imágenes más todavía, lo cual complicaba leer los subtítulos y seguirlo todo con detalle. Para el recuerdo, la rabiosa vitalidad de Tarantino en su defensa de este tipo de cine, tan denostado como admirado por el gran público. Si han llegado hasta este punto espero que les haya merecido la pena. En caso contrario, mis más sinceras disculpas. Han sido cuatro días sinceramente estupendos a pesar de la mucha basura que he tenido que tragar, aunque reconozco que lo he hecho con mucho placer culpable. Espero volver algún día. Para el recuerdo, dos amigos. Carlos Polite, criticón y abogado en sus ratos libres

"Quemar Después de Leer"

Wed, 15 Oct 2008 12:22:08 +0000

Incluso cuando los Coen realizan aquello que llaman una "comedia menor", contrapunto distendido de su severa y trascendente No es país para viejos ( No Country for Old Men , 2007), no deja de tratarse de una magnífica noticia. Los hermanos han demostrado por activa y pasiva que se desenvuelven como pez en el agua en una comedia cuyo cariz es el humor negro remarcado por unos personajes siempre peculiares, acá claramente con una sola vocación: enfatizar la estupidez humana presente en cada uno de ellos, poco importa si esta se presenta en un descerebrado monitor de gimnasio (Brad Pitt) o en un refinado e iracundo ex analista de la CIA (John Malkovich). Quemar después de leer podría resumirse como un complejo chiste que los hermanos construyen a partir de los más improbables personajes, todos ellos estúpidos conductuales o emocionales, metidos en una no menos improbable trama de Guerra Fría en nuestros días. Cierto que el chiste, pese a complejo, no se basa sino en la nada misma que los Coen nunca ocultan (se insiste desde el principio de la película en que las memorias de Cox no tienen relevancia alguna) y, por tanto, no ha lugar a la sensación de hallarnos ante una broma de mal gusto. El divertimento consiste, precisamente, en comprobar como esa galería de personajes juegan (y ciertamente, se lo pasan en grande) a ser espías, chantajistas, extorsionadores o infieles cónyuges a partir de un motivo argumental carente de trascendencia alguna. El juego termina, cómo no, con una ruleta rusa que otorgará a cada uno de sus personajes suertes distintas, menester en el que necesariamente intervendrá el humor más negro de los Coen. Mientrastanto, Joel y Ethan habrán demostrado que, llegados a este punto de su carrera, hoy se revelan más irreverentes que nunca para con hipotéticos márgenes férreos de los géneros, pues resulta casi imposible demarcar Quemar después de leer en unos límites estables de un género determinado. Tanto puede definirse como una comedia de enredo (monumental, por cierto) como una película de espías, como una comedia de situación o un noir ambientado entre gimnasios y dependencias de la CIA. Las fronteras quedaron diluídas hace ya tiempo y su inconformismo, la constante violación de premisas genéricas en tanto que la incorporación revisada de las mismas a su cine hacen de ellos hoy unos autores tan inclasificables como aquellos que sorprendieran en 1984 con Sangre Fácil ( Simple Blood ). Decía Howard Hawks que le gustaba cualquier película en la que se pudiera adivinar quién diablos la había hecho, y Quemar después de leer se inscribe en un único género posible: el coeniano. A veces más afortunado en sus manifestaciones, otras veces menos, pero indudablemente único. Constituye un universo tan soberbiamente definido que su autoría fluye sin esfuerzo alguno por las imágenes de cada película: desde los rasgos estilísticos que mucho tienen que ver con el uso de su cámara hasta su envidiable capacidad para dotar a cada personaje de unos rasgos que, independientemente de la severidad de la situación, les hacen deudores del esperpento. En Quemar después de leer existe el toque Coen, más perfeccionado que nunca aunque con menores logros que en sus más excelsas comedias (véase Arizona Baby [ Raising Arizona , 1987] o El Gran Lebowski [ The Big Lebowski . 1998]. Y lo hace al servicio de una historia menos rica, seguramente, pero cuya gracia reside en el inmenso entresijo que se forma al servicio de unos personajes rocambolescos y paradigma de la tontuna en todas sus formas. Que esto se convierta en un gran chiste de la estupidez humana queda refrendado en dos hilarantes conversaciones entre J. K. Simmons y David Rasche, jefe y subordinado en la CIA respectivamente, que recapitulan atónitos el curso de los acontecimientos en sendas conversaciones, la segunda ejerciendo de un cierre que reniega acertadamente de cualquier pretensión de clímax para la historia aquí contada. Qué hemos aprendido, se pregunta Simmons, y se contesta a sí mismo que a no repetirlo, supone. Pero acto seguido llega la siguiente pregunta: ¿y qué diablos es lo que hemos hecho? Y la pregunta confirma la ausencia de cualquier pretensión de los Coen más allá de ejercer una travesura más, la intención llevada a buen puerto de contar un relato movido por las causas y consecuencias que son fruto del absurdo y de la idiotez de un puñado de personajes que interactúan. Brillan en el elenco grandes nombres y habituales (o ambos, caso de Clooney), que definen sus personajes con mayor o mejor fortuna, pero siempre acordes a lo que se nos cuenta. Aquí se trata de ejercer la caricatura para inscribirse en ese toque Coen, algo que Clooney ya demostró hacer efectivamente en O Brother! ( O Brother, Where Art Thou? , 2000) y Crueldad Intolerable (I ntolerable Cruelty , 2003) y que sigue desempeñando aquí con soltura para regocijo del espectador. Lo mismo sucede con McDormand, otra habitual aquí interpretando encantadoramente a un personaje desencantado. Malkovich por su parte y en su debut con los Coen, se muestra hilarante como el irritable ex analista de la CIA y un actor que se ajusta como un guante a las preferencias de los autores. No ocurre así con Swinton, desempeñando el posiblemente menos coeniano de los personajes o Brad Pitt, aquí un idiota absoluto que más parece un objeto de burla que un intérprete idóneo para inscribirse en el particular repertorio de pintorescos personajes al que los hermanos nos acostumbran en cada película. Quemar después de leer los pone a todos al servicio de las travesuras de los firmantes, quienes a su vez nos disponen un enredo sin más pretensiones que el mero divertimento a costa de los anteriormente citados, pero que secretamente sabremos erigido con las experimentadas herramientas de dos de los mayores artesanos del cine actual. Jordi Revert

"Vicky Cristina Barcelona"

Wed, 15 Oct 2008 12:05:02 +0000

En Vicky Cristina Barcelona apenas sí quedan los escombros del cine de Allen. Es la constatación definitiva de una tendencia que venía dándose en su etapa europea y que caminaba peligrosamente hacia la ligereza y la abnegación de todo lo postulado en su magnífica filmografía anterior. Uno alcanza los créditos de Vicky Cristina Barcelona con dolor, lamentándose que el genial director haya al fin realizado, en su última película, todo aquello que nunca hubiera realizado en sus mejores obras. Podremos disfrazar esta aseveración y seguir siendo incondicionales del cineasta convenciéndonos que la suya es una película fresca , cuando la única variación que encontraremos es el cambio de contexto de lo allí contado; podremos decir que se trata de una exploración de las relaciones humanas a través de un ménage à trois, obviando que el trío formado por Bardem-Cruz-Johanson no es sino la excusa argumental, una débil teoría sobre el nexo sexual y afectivo entre tres personas que no sirve más que para peinar el asunto (que, por cierto, ha sido una constante ineludible en prácticamente la totalidad de su filmografía); incluso podremos hablar de Vicky Cristina Barcelona como de una celebración de la vida entre personas que beben buen vino, escuchan embelesadora música nacida de guitarra española en jardines de ensueño y aman y discuten con mezcolanza seudo intelectual sobre la cultura y el arte en cenas a la luz de las velas. Y mientras, nuestra memoria intentará achantar el recuerdo de Las invasiones bárbaras ( Les invasions barbares , Denys Arcand, 2003), auténtica celebración y declaración de amor a la vida y el arte ante la cuál la película de Allen queda en dolorosa evidencia. Así pues se desvanecieron los rasgos puramente allenianos que han definido algunas de las mejores películas que ha dado el cine de parte del maestro neoyorquino. Partiendo del mismo título, uno no puede sino apenarse de descubrir una Barcelona de postal, mecánica sucesión de panorámicas y planos de monumentos exasperantemente representativos de la ciudad. Barcelona queda ante los ojos de Woody Allen como un destino turístico de innegable belleza, pero que nada tiene que ver en los devaneos amorosos ni estado de ánimo de Vicky, Cristina o cualquier otro personaje que deambula por la película ¿Acaso es necesario recordar Manhattan como un personaje más que enmarcaba las relaciones humanas de Alvy Singer o Harry Black? La ciudad de Allen enfatizaba sentimientos soledad, de desengaño, amores encontrados en pequeñas librerías de barrio, discusiones culturales en la cola de un cine de reestreno... Si aún no se han encontrado con el alma de la ciudad, recuerden si no cuántas veces se empeñó Allen en incluir en sus encuadres la Estatua de la Libertad o el Empire State Building para recordarnos que nos hallábamos en su ciudad. Y es en ese marco estéril en el que Woody Allen dispondrá unos personajes que se situan entre los menos interesantes de su filmografía. Bardem no tiene demasiados problemas en ejecutar a un sobrio seductor, un artista en cuyos brazos Rebecca Hall y Scarlett Johanson (Hall le gana la partida a Johanson pese al peso menor de su papel) previsiblemente caerán con mayor o menor reticencia. El factor sorpresa, pues, se reduce a la aparición de una Penélope Cruz arrebatadora, una mujer pasional hasta la locura que redefinirá la relación entre Juan Antonio (Bardem) y Cristina (Johanson) y que acabará reviviendo las historias de amor y odio que configuraron su relación matrimonial con el pintor. En resumen, un tejido de escarceos y aventuras y desventuras amorosas que no deberían pretender aportar nada nuevo a un cine que se manejaba a sus anchas en estos menesteres, y que sin embargo y de alguna manera ha perdido no sólo los temas preferidos que delimitaban el universo de sus personajes, a saber las obsesiones por la muerte, el psicoanálisis, el sexo o el cretinismo ambulante en torno al arte, sino que también ha quedado tristemente despojado del humor sardónico y brillante que antaño lo definió. Baste recordar el endiabladamente divertido inicio de Desmontando a Harry (D econstructing Harry , 1997), aquel en el que la ex esposa de Harry Black le persiguiera con asesinas intenciones tras haber desvelado en su último libro íntimos secretos de alcoba. En la conclusión de Vicky Cristina Barcelona , se repite la escena cuando María Elena irrumpe en casa de Juan Antonio para matarlo en un arrebato de celos. Una repetición del todo baldía, salvo para revelar aquello que se perdió en el camino entre una y otra escena. Así, las tormentosas relaciones presentadas en Vicky Cristina Barcelona dan con un final tan amargo como el sabor que le queda a un espectador que añora los tiempos mejores de un realizador de capa caída. Ni siquiera el entregado amor de Allen por el jazz que rubricaba mágicamente cada uno de los momentos de películas tan notables como Acordes y desacuerdos ( Sweet and Lowdown , 1999), encuentra aquí sustituto de altura cuando el director prefiere repetir hasta la extenuación el tema Barcelona de Giulia y los Tellarini o remarcar su fascinación por la guitarra española repitiendo de igual manera la sublime Entre dos aguas de Paco de Lucía. La banda sonora, como todo lo demás en Vicky Cristina Barcelona , reduce hasta el mínimo las mejores cualidades del cine de un Woody Allen que firma en los créditos, pero no está tras la cámara. Al menos no el que conocíamos. Quizás la tragicómica situación de un cineasta quedándose ciego en Un final made in Hollywood ( Hollywood ending , 2002) se esté cumpliendo en forma de una penosa metáfora. Ojalá su próxima película no haga de esta sentencia sino una mera necedad. Jordi Revert

Sobre Sitges 2008

Sat, 11 Oct 2008 18:40:47 +0000

Aunque algunos problemas técnicos nos han impedido realizar la habitual cobertura diaria del Festival de Sitges 2008, a partir de la próxima semana podréis leer nuestra crónica completa con toda las reseñas, las entrevistas, las fotografías y los vídeos de una cita inabarcable (cada año resulta más complicado visionar todos los títulos deseados ante la cantidad ingesta de proyecciones), que si bien ha pecado de irregularidad, deja para el recuerdo algunas obras indiscutibles cuyo impronta aún generará largos debates en los próximos meses. Aunque pronto llegará el momento de las valoraciones, lo cierto es que cintas como The Sky Crawlers, Idiots and Angels, The Chaser, Synecdoche New York, Hansel & Gretel, Surveillance, Let the right one in, M o Martyrs quedan para la posteridad como algunos de los puntos álgidos de un certamen en el que las decepciones también han sido relevantes (The Broken, Tokyo!, Vinyan, Santos) y en el que han tenido cabida producciones intrascendentes pero de indudable energía (The Cottage, Sexykiller, JCVD, The Hideout, Not Quite Hollywood), proyectos interesantes pero parcialmente fallidos (Otto, or up with dead people, Deadgirl), descacharrantes propuestas de grosor específico (Tokyo Gore Police, los maratones Mondo Macabro) y títulos previsiblemente deplorables (Crows Zero, Reality Killers). En cuanto a las entrevistas, volveremos a casa con la nostalgia de encuentros irrepetibles. En breve podréis leer nuestras entrevistas con Charlie Kaufman, Bill Plympton, Abel Ferrara, Bruce LaBruce, Na Hong-jin, Yim Phil-sung, Tomas Alfredson, Pascal Laugier, Jörg Buttgereit y el equipo de Sexykiller. Desde aquí nos quedamos con el humor irreverente de Plympton, la inteligencia de LaBruce, la amabilidad de Kaufman y los derroches de simpatía de Miguel Martí, Alejo Sauras, Macarena Gómez y César Camino. Atentos pues, porque el festival acaba pero comienza en esta casa.

Palmarés Sitges 2008

Sat, 11 Oct 2008 18:34:42 +0000

El jurado conformado por Marina Anna Eich, Álex Gorina, Umberto Lenzi, David Pirie y Fred Williamson ha dado a conocer hoy en rueda de prensa el palmarés de la 41ª edición del Festival Internacional de Cine de Cataluña - Sitges 2008. Galardones muy discutidos sin duda empezando por el mismo premio a la Mejor Película, que ha ido a parar a Surveillance de Jennifer Lynch, una cinta correcta, no exenta de interés, pero que adolece de entidad frente a la calidad de propuestas muy superiores como la brillante The Sky Crawlers de Mamoru Oshii, finalmente reconocida con el Premio de la Crítica, el Premio del Jurado Jove (compartido con la olvidable Vinyan) y el Premio a la Mejor Banda Sonora, más que justa recompensa para el conmovedor trabajo de Kenji Kawai. Previsible sin embargo el premio para Kim Jee-woon y The Good, The Bad, The Weird, todo un alarde técnico y artístico, mientras resulta lamentable que Tale 52 se alce con el Premio al Mejor Guión. Por otro lado comprensibles los galardones para The Chaser como mejor título asiático y el de la polémica Martyrs como Méliès de Plata a la Mejor Película Europea. OFICIAL FANTÀSTIC Mejor Película Surveillance Premio Especial del Jurado Eden Lake Mejor Director Kim Jee-woon (The good, the bad and the weird) Mejor Actor Brian Cox por Red Mejor Actriz Semra Turan por Fighter Mejor Guión Alexi Alexiou (Tale 52) Mejor Fotografía Angus Hudson (The Broken) Mejor Banda Sonora Kenji Kawai (The Sky Crawlers) Mejores Efectos Especiales Kim Wook (The good, the bad and the weird) Mejores Efectos de Maquillake Bendit Lestang y Adrien Morot (Martyrs) Mejor Diseño de Producción Tulé Peak (Blindness) Mejor Cortometraje Next Floor JURADO CARNET JOVE Mejor Película de la Sección Oficial ex aequo The Sky Crawlers y Vinyan Mejor Película de la Sección Midnight X-Treme Encarnaçaô do Demônio NUEVAS VISIONES Mejor Película Los Bastardos Mención Especial Gods Puzzle Diploma Película no Ficción Religulous Diploma Película Discovery Ramírez ORIENT EXPRESS Mejor Película The Chaser ANIMAT Mejor Película From Inside Mejor Cortometraje The facts in the case of Mr. Hollow PREMIOS MÉLIÈS Méliès de Oro a la Mejor Película Europea Martyrs Méliès de Oro al Mejor Cortometraje Europeo Afterville PREMIOS DE LA CRÍTICA Premio de la Crítica José Luis Guarner The Sky Crawlers Premio Citizen Kane al Mejor Director Revelación Christopher Denham por Home Movie PREMIO DEL PÚBLICO Gran Premio del Público Blindness

"Ponyo on a cliff by the sea" en Sitges 2008

Wed, 01 Oct 2008 22:00:05 +0000

"Ponyo on the Cliff by the sea" ("Gake no ue no Ponyo"), la última película del maestro Hayao Miyazaki, tras su paso triunfal por la Mostra de Venecia, aterriza en Sitges 2008 (para júbilo de sus asistentes). "Ponyo on the cliff" sitúa en un contexto contemporáneo "La Sirenita" de H.C. Andersen. Ésta es la historia de Ponyo, un pequeño pez que lucha por hacer realidad su sueño: vivir con un muchacho llamado Sosuke. Los niños de ocho años Hiroki Doi y Yuria Nara ponen voz al pequeño Sosuke y a la princesa Ponyo, ese pez que aspira a convertirse en humano. Tomoko Yamaguchi y Kazushige Nagashima son los padres de Sosuke mientras que los progenitores de Ponyo tendrán las voces de Yuki Amami y George Tokoro. Los veteranos Kazuko Yoshiyuki y Tomoko Naraoka son dos ancianos que viven en el geriátrico donde trabaja la madre de Sosuke. La cantante Akiko Yano, anterior esposa del afamado compositor Ryuichi Sakamoto, presta su voz a una de las hermanas del personaje titular de la película. Yano ya había compuesto algunos temas para "Mis vecinos los Yamada", una película dirigida por Isao Takahata, colaborador de Miyazaki. Studio Ghibli y Toho Company produce y distribuye respectivamente.

Séptimo Vicio y Retroback 2009 en el Festival de Sitges

Tue, 30 Sep 2008 23:24:50 +0000

A partir de mañana, el equipo de Séptimo Vicio se desplaza por tercer año consecutivo hasta Sitges para cubrir a lo largo de 11 jornadas todo cuanto acontezca en la cita por excelencia para los amantes del cine fantástico. Desde portada podréis acceder a nuestra sección exclusiva que actualizaremos a diario con noticias, fotografías, críticas, vídeos y entrevistas. Y para los que asistáis al festival, tal vez descubráis en las salas algunas de las postales de coleccionista que hemos preparado (con diseño de Javier G. Romero) para promocionar el Retroback (Festival Internacional de Cine Clásico de Granada) y su publicación estrella, el número siete de la celebrada Quatermass, o lo que es lo mismo, la colosal "Antología del Cine Fantástico Italiano", la cual acompañará con su lujosa edición el ciclo de proyecciones que en Enero se dedicará a la producción de género en Italia, una retrospectiva en la que tendrán cabida las obras maestras y las cintas de culto, algunas inéditas en nuestro país.

El cine independiente y europeo se toman un descanso

Tue, 30 Sep 2008 23:15:13 +0000

Con motivo de los trabajos de producción que el equipo de Séptimo Vicio realiza para la primera edición de Retroback - Festival Internacional de Cine Clásico de Granada, la actualización de noticias de esta sección quedará paralizada hasta nuevo aviso.

Las noticias desde Asia se toman un descanso

Tue, 30 Sep 2008 23:14:04 +0000

Máquina del Tiempo también para Nicholas Meyer

Tue, 30 Sep 2008 15:04:57 +0000

El director Nicholas Meyer se une a la lista ya anunciada de Máquinas del Tiempo, que recibirá el galardón el domingo. Los otros homenajeados son John Carpenter, Abel Ferrara (domingo 5), Lloyd Kaufman (miércoles 8) y Charlie Kaufman (jueves 9).

El jurado del Festival de Sitges 2008

Tue, 30 Sep 2008 15:03:49 +0000

Jurado Oficial Fantástic FRED WILLIAMSON - Actor, director y productor norteamericano. MARINA ANNA EICH - Actriz, productora y agente de prensa. ÀLEX GORINA - Director del festival de Sitges durante cinco años. Crítico de cine. UMBERTO LENZI - Director, escritor y guionista. DAVID PIRIE - Crítico de cine, guionista y escritor británico. Jurado Oficial Méliès DIEGO LÓPEZ - Editor de El Buque Maldito ZAK KADISON - Productor de Fox Atomic JAVIER GUTIÉRREZ - Director Jurado Orient Express-Casa Asia y Anima't TODD BROWN - Editor de Twitch XAVI SÁNCHEZ PONS - Crítico de Mondosonoro CARLES ARENAS - Crítico Jurado Oficial Noves Visions VELASCO BROCA - Director GUILLERMO JURE - Artista XAVI SERRA - Crítico Jurado Nova Autoria ALBERT ESPINOSA - Guionista, director ALBERT GUINOVART - Músico ÀNGEL QUINTANA - Crítico ROSER AGUILAR - Directora, guionista Jurado Carnet Jove CRISTINA ÁLVAREZ LOPEZ MANUEL BOCERO VALLEJO COVADONGA DE LA CUESTA GONZÁLEZ ALBERT ELDUQUE I BUSQUETS SERGIO MORERA HUERCANO

Los imprescindibles de Sitges 2008 (2)

Mon, 29 Sep 2008 21:36:17 +0000

Y le llegó el turno a Carlos Polite... BLINDNESS Una curiosa epidemia de ceguera sacude un país. Las primeras víctimas de este accidente son encerradas en un hospital sin recibir explicaciones ni apoyo. Entre ellas está una mujer que conserva su vista en secreto para poder acompañar a su marido ciego. En el encierro se darán todo tipo de atrocidades y en la calle dominará el caos y el terror. Basada en una aclamada novela de José Saramago, Blindness se sumerge en un extraño Apocalipsis. Fernando Meirelles, que ya había asombrado con Ciudad de Dios, pone su mirada y su gusto por la estética al servicio de un tenso ensayo fílmico sobre la ceguera. CROWS ZERO Nadie en su sano juicio osaría poner un pie en el instituto Suzuran, un recinto asolado por la rivalidad de las bandas juveniles, pero Genji, hijo de yakuza, tiene una misión: convertirse a guantazos en el rey del instituto y, de paso, dejar a su padre con un palmo de narices. La tarea va a requerir grandes dosis de testosterona y, por supuesto, puños de hierro. Bienvenidos a un instituto en el que los alumnos son expertos en repartir estopa, y los que no, los bolos, en recibirla. Bienvenidos a la película más taquillera hasta la fecha de Takashi Miike, capítulo cero de una saga que adapta en imagen real y superfashion el devastador manga de Hiroshi Takahashi. GOD'S PUZZLE La primera parte es una comedia romántica de estudiantes, la segunda una cinta sobre la destrucción de la humanidad. Así define Takashi Miike su peculiar nueva película, una sci-fi panic love fantasy (ahí es nada) basada en el best-seller homónimo del escritor Shinji Kimoto cuyo tema principal versa sobre la posibilidad de crear un universo por nosotros mismos. ¿Aceleradores de partículas, agujeros negros, el Big Bang? Pues sí, el lado más existencialista del iconoclasta realizador nipón se disfraza ahora de comedia romántica para adentrarnos en los insondables misterios de la creación. Física cuántica y rocknroll. LET THE RIGTH ONE IN Con doce años, proveniente de una familia disfuncional y sometido a abusos diarios por parte de un grupo de compañeros de clase, Oskar acaba de comprender que la vida puede ser maravillosa pero que a él le ha tocado sufrir la parte más oscura de la existencia. Una noche, Oskar conocerá a su nueva vecina, una pálida niña que oculta un terrible secreto. Basada en la novela Déjame entrar de John Ajvide Lindqvist, la cinta del sueco Tomas Alfredson se convierte, con su elegancia, pasión y sobriedad, en toda una clase magistral de cine fantástico. Una delicatessen que conmueve y sobrecoge. SURVEILLANCE A la comisaría de un pueblo perdido en el desierto han llegado dos agentes del FBI para interrogar a los testigos de una sangrienta carnicería en la carretera. Las declaraciones de los testigos, una joven drogadicta, un agente de policía y una niña, evidenciarán la actuación de un grupo de peligrosos asesinos aunque no todo lo declarado parece ajustarse a la realidad. Entre flashbacks, saturaciones de color, imágenes de cámara de vigilancia y endiablados giros de guión, la hija de David Lynch (aquí, productor ejecutivo) va dando forma a una intriga en forma de puzzle que va del humor más negro al terror más crudo. THE GOOD, THE BAD AND THE WEIRD En la convulsa Manchuria de los años 30, el mapa de un tesoro va a poner tras su pista a chinos, japoneses y coreanos y va a enfrentar en duelo a tres bandas a un cazarecompesas (el bueno), un asesino a sueldo aficionado a cortar dedos (el malo) y un inclasificable bandido (el raro). Homenaje con sabor kimchi a una de las obras capitales de Sergio Leone, The Good, the Bad, the Weird es ante todo una colosal aventura, una fiesta para los ojos que arranca con el espectacular asalto a un tren y alcanza el éxtasis en el desierto de Gobi, entre cañonazos y galope de caballos. La pura esencia del espectáculo y una nueva proeza de Kim Jee-woon. THE SKY CRAWLERS Imaginemos un tiempo actual alternativo en el que al fin se ha instaurado la paz. Sin embargo, para que esta situación sea sostenible es necesario que se desarrolle una guerra que puede ser contemplada como un espectáculo por televisión. Los pilotos que luchan en este crudo montaje son niños inmortales que responden al nombre de Kildren. Mamoru Oshii presta su animación elegante y detallada a esta parábola sobre el mundo moderno, en el que la juventud ha perdido todo tipo de esperanzas. Una película de dibujos de colores suaves y brillantes que esconde un fuerte y necesario discurso político. TOKYO Tres firmas bajo el signo de una ciudad. Michel Gondry dirige Interior Design, en la que una pareja debe aprender a vivir en un diminuto cubículo, un espacio que Gondry aprovecha para desatar su juguetón imaginario. En Tokyo Shaking, Bong Joon-ho se revela en muy buena forma con su precioso episodio en torno a un hikkikomori (personas que viven encerradas en su piso) que ve amenazado su estatus cuando una repartidora de pizzas se cuela en su casa. Y por último, el regreso de un genio maldito tras diez años desaparecido (o encerrado cual hikkikomari): Léos Carax dirige Merde una controvertida pieza sobre la invasión de un hombre-excremento. REPO, THE GENENTIC OPERA En el futuro, los trasplantes van caros y aquellos que no los pagan son perseguidos por un cobrador del frac en busca de morosos de los órganos, un repo-man cuya hija está terriblemente enferma. Imaginen un híbrido entre Moulin Rouge y Brazil y darán con Repo! The Genetic Opera, la traducción al cine de la obra teatral del mismo nombre. Su director, Darren Lynn Bousman, era conocido por haber firmado las secuelas de Saw, un detalle que ya es historia, pues a partir de ahora se le asociará inevitablemente con este monumento del horror-rock. Más atrevida y oscura que Sweeney Todd, Repo! es terror, órganos y rocknroll. ROCKNROLLA RocknRolla es un baile de personajes y situaciones llevadas al límite, en la que un jefe de la mafia ruso se ha hecho con una importante cantidad de dinero. El entorno no está dispuesto a renunciar a una porción del pastel y se verán involucrados un peligroso criminal, una contable corrupta y una retahíla de figurillas musicales. El cocktail resulta explosivo, más si la guinda es la virtuosa puesta en escena de Guy Ritchie, que se desenvuelve como pez en el agua en el London criminal y de bajos (pero exquisitos) fondos. El capo de Snatch, cerdos y diamantes ha vuelto: prepárense para la acción. SYNECDOCHE, NEW YORK Caden Cotard, un director de teatro, se encuentra en plena crisis en casi todos los aspectos de su vida: su mujer se ha ido a Berlín con su hija y la posibilidad de una relación con una nueva mujer se ha esfumado antes de empezar. Cotard decide entonces poner en escena su día a día con actores que encarnan tanto a él como a sus allegados. Kaufman logra una de las imágenes más poderosas que ha dado el cine sobre la creación artística (con el permiso del enorme plató de El show de Truman): un plató tan grande como una ciudad, una maravilla surgida de la fascinante mente de Charlie Kaufman. DANTE 01 Cuando el hijo pródigo del cine francés Jean-Pierre Jeunet se pasó al lado oscuro de la fuerza y se prestó a realizar una película hollywoodiense como Alien 4 Resurrection no se dio cuenta de que llevaba un polizón a bordo. Marc Caro, su compinche hasta la fecha, trabajó en la dirección artística, aprendió la lección y se desprendió de su camarada para emprender un viaje en solitario. El resultado es Dante 01, una oscura cinta deudora de los clásicos claustrofóbicos del género que cuenta la historia de una nave espacial-manicomio y que pone de manifiesto que el octavo pasajero de Jeunet ha superado a su capitán. THE HIDEOUT Iowa, invierno de 1957: en plena tormenta se produce un terrible crimen. Ya en la actualidad, la elegante Laura Morante (una de las estrellas gélidas más deslumbrantes del firmamento europeo) se instala en el caserón, donde una misteriosa voz perturba el sueño de la nueva inquilina. Todo festival de terror que se precie debe tener una película de casas encantadas. Si el año pasado fue El orfanato, en esta edición le llega el turno al maestro Pupi Avati. The Hideout pone la piel de gallina gracias a un inicio al más puro estilo serie B, entre claroscuros y gritos, y una voz que recuerda a la del Golum de El señor de los anillos. Assolutamente terrificante. DEADGIRL JT y Rickie, dos amigos con el pelo graso peinado hacia atrás al estilo de los Rebeldes de Coppola, pasan su tiempo en una fábrica abandonada donde descubren a una chica, wrapped in plastic, que jamás termina de morir. JT la convertirá en el objeto sexual y de fascinación de sus compañeros de instituto, mientras Rickie intenta defenderla del perverso juego necrófilo. Deadgirl posee una atmósfera tan enrarecida como la de Donnie Darko y recrea un universo absolutamente oscuro. Curioso filme de vampiros, perturbadora nueva visión. BEAUTIFUL Ser guapa es un drama, si no que se lo pregunten a Eunyoung, una mujer atractiva que atrae todas las miradas masculinas y que no puede tener amigas, pues terminan cayendo en el pozo de los celos. Pese al constante acecho de los hombres, ella se mantiene virgen cual nínfula, objeto de deseo inaccesible. La gota que colma el vaso se produce cuando un admirador la viola en su apartamento y Eunyoung se ve abocada a la locura. Muy en la línea del Kim Ki-duk de Time, Beautiful es un cuento de hadas pasado por el filtro del horror. Lo dicho: la belleza no aporta nada más que problemas, viva la fealdad. THE OBJECTIVE Pocos días después del 11/S, el agente de la CIA Ben Keynes es destinado a Afganistán con la misión de localizar a un líder espiritual. Al menos, ese es el objetivo que Ben, conocedor de la zona desde tiempos de la invasión rusa, cuenta al grupo de soldados que le acompañarán en una expedición en la que los talibanes van a pasar a convertirse en el menor de sus problemas. Daniel Myrick, uno de los realizadores de la legendaria El proyecto de la bruja de Blair, se decide por trasladar ahora su fascinación por lo sobrenatural y lo místico a un escenario bélico tristemente contemporáneo. El desierto (marroquí) nunca dio tanto miedo. OTTO, OR UP WITH DEAD PEOPLE Enfant terrible e icono del cine homo-punk, Bruce LaBruce trae a Sitges varias películas en una: Otto; or Up With Dead People, un filme de zombis que combina la comedia romántica, el porno, la política, el terror y la animación. Dos historias se entrecruzan: por un lado la de Otto, recién despertado de entre los muertos y atrapado entre un presente escalofriante y un pasado colorista y hermoso; por el otro, la de Medea, que filma un documental político-sexual en blanco y negro. El singular LaBruce nos ha regalado una de las sorpresas del festival, un maravilloso popurrí visual: ¡arriba los muertos! GHOST VS ALIEN Pasar media vida con el J-Horror a cuestas puede convertirse en toda una maldición' y el popular Takashi Shimizu parece haberse querido curar de tanto espanto con un nuevo proyecto, igualmente fantástico pero por completo irreverente. Surgido de una serie de cortometrajes, Ghost vs, Alien llega a la gran pantalla como un largometraje de dos partes dirigidas por separado por Shimizu y su colega Keisuke Toyoshima. Sin relación entre sí, ambas tienen una meta común: juntar al alimón fantasmas y extraterrestres en un puro delirio, referencial y absurdista, que incluye espectros neonazis, yakuzas zombis y alienígenas chuponas. La monda. GONZO Esta es una película sobre uno de los escritores más explosivos que ha dado la literatura. Una figura de humor corrosivo. Un organismo que se llenó de cocaína, ácidos y alcohol. Un periodista que no pudo (ni quiso) eludir la ficción en unas crónicas libres que recibían la etiqueta de gonzo. Su libro, Miedo y asco en Las Vegas es un auténtico diario de viaje hacia el exceso. Gilliam lo adaptó y el protagonista fue el mismo actor que ejerce de maestro de ceremonias de este documental, Johnny Depp. El nombre del escritor es Hunter S. Thompson. El título de la película es Gonzo y es toda una experiencia. NOT QUITE HOLLYWOOD Invitado en calidad de fan, el mismísimo Tarantino no duda en amenazarnos con el peor de los infiernos si no acabamos encantados con este documental consagrado al cine de exploitation australiano. Su entusiasmo, y el del resto de excepcionales invitados, al glosar los méritos de un puñado de artistas que convirtieron la Australia de los años 70 y 80 en un paraíso de cine de género, es tan elocuente como extremadamente contagioso. Not quite Hollywood radiografía a mil por hora una época repleta de desnudos frontales, explosiones, casquería, monumentales carreras de coches y sustos de primera y, sobre todo, de mucha ilusión, humor e ingenio. EXTE: HAIR EXTENSIONS Si Sion Sono no existiera, habría que inventarlo. Nadie como él para adentrase en el mainstream, apoderarse del icono por excelencia del J-Horror y reforzar todavía más la poética de lo bizarro que ha marcado su carrera como cineasta. Exte es la prueba, una asombrosa cinta de terrores capilares y canciones navideñas en la que coinciden un fetichista del cabello, una aprendiz de peluquera y un vengativo cadáver al que no para de brotarle pelo. Añádanle su constante preocupación por las familias disfuncionales, buenas dosis de ironía y un reparto primoroso y verán como el realizador de Suicide Club, entre otras joyas, merece estar en lo más alto. TOKYO GORE POLICE En un futuro distópico, la policía de Tokio ha sido privatizada y se enfrenta a su peor amenaza: un grupo de mutantes que convierten cualquier herida en arma de destrucción. Ruka, una joven oficial atormentada por el asesinato de su padre, será la encargada de exterminarlos. Agárrense bien a los asientos porque Eihi Shiina, la amante de la acupuntura extrema en Audition de Takashi Miike, vuelve a la pantalla y con peores intenciones si cabe. Obra del experto en efectos especiales Yoshihiro Nishimura, el film rinde tributo a su explícito título con una indescriptible orgía de sangre, mutilación y fluidos de todo tipo. Para ver y no creer.

Universo Media se convierte en un innovador curso de creación audiovisual

Mon, 29 Sep 2008 19:51:19 +0000

El curso Universo Media, organizado por el Festival Internacional de Cine de Gijón y la Universidad de Oviedo, ofrece este año un programa integral de formación, investigación y producción artística basado en Internet y en la edición de vídeo. Bajo el título Ensayo digital: una nueva forma de audiovisual, el curso se impartirá del 17 de octubre al 22 de noviembre en el Centro de Cultura Antiguo Instituto, y está dirigido a estudiantes universitarios y personas interesadas en adquirir formación integral en una sencilla e innovadora modalidad de creación. Se enseñarán procedimientos básicos e intuitivos de composición de imágenes, música y textos suficientes para crear individualmente piezas audiovisuales, con la única ayuda de un ordenador y una conexión a Internet. La formación técnica se complementa con una formación teórica específica en cine, filosofía, literatura, arte y música. Ensayo digital es homologable por 6 créditos de libre configuración en los expedientes de enseñanzas regladas, así como por 4 créditos de Formación Permanente al Profesorado No Universitario del Principado de Asturias en activo. A efectos de esta homologación, se valorará, además de la asistencia, la calidad de un ensayo digital elaborado por el alumno. El curso contará con la participación de especialistas de prestigio, como los profesores Fernando de Felipe, Xavier Pérez y Roberto Cueto. La matrícula puede formalizarse a través de Internet (www.uniovi.es) o acudiendo a las Unidades de Información y Matrículas de Extensión Universitaria (en la Calle Principado nº 3 de Oviedo y en la Calle Tomás y Valiente s/n de Gijón). El plazo se cierra el 13 de octubre y las plazas disponibles son 20. Enlace directo para formalizar la matrícula: https://directo.uniovi.es/matriculaEP/index.asp?gestora=EXUNIVER 11 años de Universo Media Universo Media nació en 1998 con el objetivo de reflexionar acerca de cuestiones relacionadas con la filosofía y el cine, y en cada una de sus 10 ediciones se ha adentrado desde una perspectiva novedosa en temas como los tabúes, la adolescencia o la situación del cine ante la cultura visual digital. La calidad de sus conferencias, que se han recogido en volúmenes recopilatorios, ha convertido a este curso en un referente en lo que se refiere a la reflexión sobre el cine desde una perspectiva humanística. Entre los conferenciantes que han participado se encuentran Fernando Savater, Gustavo Bueno, Víctor Gómez Pin, Juan Cueto, Benjamín Prado y Miguel Marías. Además de Curso de Extensión Universitaria, Universo Media ha sido al mismo tiempo un ciclo de cine, y como tal ha incluido a lo largo de estos años la proyección de alrededor de un centenar de películas, que sirvieron para ilustrar sus contenidos teóricos. La edición de 2008 supondrá que las bases establecidas hasta el momento den paso a la práctica, utilizando para ello herramientas innovadoras y al mismo tiempo accesibles.

"Tropic Thunder"

Sun, 28 Sep 2008 22:43:45 +0000

La cuarta película de Ben Stiller es un certero golpe contra el gigantesco ego de Hollywood y sus actores. Lo hace a través de una farsa, el rodaje de la película bélica más cara y desastrosa de la historia, que evidentemente va a remitirnos al "Apocalypse Now" de Francis Ford Coppola. El marco es el ideal para hacer de la parodia del género bélico un arma recurrente, que apunta desde "Platoon" hasta "El puente sobre el río Kwai" con descaro pero nunca cayendo en el copia y pega tan manido por la franquicia de los hermanos Wayans, lo cuál es de agradecer. Si bien no podemos congratularnos de que el guión escrito por Ben Stiller y Justin Theroux aporte grandes dosis de inteligencia en su hiperbólica, desmesurada burla hacia el estrellato hollywodiense y sus insufribles comportamientos, al menos no podemos negarle a "Tropic Thunder" que encuentra en su farsa no pocas veces la carcajada a través de lo exagerado y lo esperpéntico, la hipérbole de la parodia y lo grotesco, la última instancia de un humor que, sin embargo, sigue teniendo unas señas de identidad de las que otros ni siquiera pueden presumir. La declaración de intenciones llega con un anuncio y tres tráileres, falsos todos ellos, que descolocan incluso al espectador que más pueda esperar semejante apertura de parte del señor Stiller. La idea es delimitar rápidamente, a través de tres falsas películas, los tres perfiles del trío protagonista que participará en el rodaje infernal de "Tropic Thunder". Uno, el propio Stiller, desempeñará un héroe de acción en horas bajas; Jack Black se nos presentará travestido y flatulento en una simple pero asombrosamente efectiva por hilarante bofetada a "El profesor chiflado" (por supuesto, la funesta producción protagonizada por Eddie Murphy); por último, Robert Downey Jr será el actor consolidado, ganador de cinco oscar y obsesionado con obtener la plena simbiosis con sus personajes. Estos tres sujetos pasarán de encontrarse en el cómodo y caprichoso contexto del set de rodaje a verse en medio de la jungla enfrentándose a una inusual guerrilla con bombas de humo y pirotecnias varias. La situación derivará en todo tipo de absurdos en el que se desencadenarán los excesos cómicos y paródicos tan del gusto de Stiller, siendo algunos realmente efectivos mientras otros rayarán y sobrepasarán la barrera del mal gusto. Compendio de casi todos los frentes en los que el humor puede realizar su incursión, "Tropic Thunder" triunfa en aquellos destinados a subrayar de sobremanera la estupidez innata de sus personajes (algo que cineastas como los Coen saben hacer, indudablemente, con más elegancia e inteligencia), y fracasa en casi cualquier intento de desenvolver un humor verbal (innecesaria y banal conversación en torno al presunto racismo de una expresión, impagable teoría en torno al criterio de la Academia para otorgar el Oscar a papeles de retrasados). En su intento de abofetear el star-system y la industria, "Tropic Thunder" no está exenta de cierta hipocresía. Si en Un loco a domicilio Ben Stiller era capaz de desarrollar una más o menos acertada crítica a los mass media sin salir de casa, en "Tropic Thunder" no hay que olvidar que lo mordaz que pudiera presumir su mirada al Hollywood de los excesos queda en buena parte dilapidado por su condición de gran superproducción de vocación, por qué no decirlo, más taquillera que las precedentes películas de Stiller (la susodicha "Un loco a domicilio", amén de su ópera prima "Bocados de realidad" ["Reality Bites", 1994] y la más reciente "Zoolander" [2001]). Tampoco debemos olvidar que el hecho de que la mitad de ese star-system se pasee por la película deja a la película de Stiller más cerca de una amable autocrítica en la que todos puedan reírse de sí mismos que un verdadero ataque que abarca desde los aires de deidad de los magnates / productores hasta los vicios inconfesables de los actores (acá la drogodependencia del personaje de Jack Black). Pero aun siendo conscientes de las cantidades ingentes de autocomplacencia y mero divertimento que puedan significar incursiones como las de Matthew McConaughey en el papel de agente de Tugg Speedman (Ben Stiller), no podemos sino reconocer que la aparición de un irreconocible Tom Cruise dando vida al ególatra y detestable magnate que financia la película aporta, a través de sus incontrolables estallidos de cólera, algunos de los momentos más hilarantes de la película. La aparición en la conclusión de un Jon Voight perdiendo el Oscar en la mediática ceremonia añade el último de una serie de cameos que confirma que las intenciones de Ben Stiller se parecen, cada vez más, a las de un Santiago Segura tirando de su lista de amigos e instándolos a participar en el patio de recreo que es su película. La sana intención de todos ellos de reírse de mismo no invalida desde luego la intención crítica, pero ejerce irremediablemente un efecto atenuante sobre la misma. Irreverente e incorregible, de intenciones explícitas y muy discutibles, "Tropic Thunder" es una irregular comedia que por suerte se aleja de los modelos predominantes que revisan periódica e inútilmente los taquillazos de temporada para explotar gags zafios y de encefalograma plano. En la película de Ben Stiller la parodia surge del contexto, y del contexto, los demonios e inseguridades de un grupo de actores en los que fácilmente podemos identificar perfiles de Hollywood. Ello no significa que Stiller renuncie al humor fácil derivado de los no exentos golpes de efecto ni que pretenda un humor inteligente en los diálogos de sus excéntricos personajes. Su humor es el de la exageración hiperbólica, encontrar la carcajada mediante el retrato desmesurado de los caprichos y comportamientos de un grupo de actores cuyos egos inmensos quedan ridiculizados a nuestros ojos para poner reconstruirlos, así, como los improbables héroes de una comedia del absurdo. Un ejercicio nada fácil, desde luego, que Stiller resuelve con solvencia con una comedia totalmente intrascendente, pero eficaz y triunfadora en sus pretensiones. Jordi Revert

"John Phillip Law: Diabolik Angel"

Sun, 28 Sep 2008 20:33:06 +0000

Carlos Aguilar y Anita Haas ponen la letra, Quatermass y Scifiworld, el acompañamiento y John Phillip Law, su voz y recuerdos, a este libro biográfico Diabolik Angel, claramente, financiado contra-natura, en tanto no trata de ensalzar las virtudes de un actor por todos conocido (Paul Newman, Cary Grant, John Wayne) ni siquiera engrandecer la leyenda de un actor de culto (aquí sí, podríamos encuadrar a Law), sino de darle eco y respuesta a la propia historia del Cine, aquella que se escribe en sus márgenes, más allá de los bulevares de estrellas y de los camerinos resplandecientes, y se disfruta, como los cuentos de la Edad Media, escuchando batallitas al abrigo de las sábanas o frente a una lumbre baja, en una noche cualquiera, dejando su impronta en el vello erizado de aquél que la oye o lee. John Phillip Law se convierte, de este modo, en cronista de su propia historia partiendo de la base de que quizá su propia historia (per se) no tenga tanto interés como sí lo tiene, indiscutiblemente, el contexto que lo vio crecer; ahí es nada, la cosmogonía de una sociedad en perpetuo estado de cambio (la última exhalación del American Way Life; el movimiento hippy, o el comienzo de la era de los productos mainstream), es decir, la génesis del tiempo que hoy estamos viviendo, puesto en boca de uno de los que no solo fueron testigo de todos estos acontecimientos sino que participaron (de una u otra manera) de dicha (r)evolución. Un rostro, más o menos agraciado, el de John Phillip Law, que todavía muchos hoy siguen asociando a personajes (de culto e inmortales) como el ángel ciego de "Barbarella", o el mismísimo Diabolik, el ladrón de bancos que traía de cabeza al Inspector Ginko, sus dos creaciones/interpretaciones más icónicas, junto a la de Simbad, la preferida de quien esto escribe; víctimas, todas ellas, del paso del tiempo pero no del olvido, cualidad de la que se desmarca el periplo vital de un autor que, sin embargo, pocos habrían reconocido aunque lo hubieran tenido en frente, mucho menos enunciar algunas de las películas en las que participara o recordar su nombre. Es elogiable, pues, el punto de partida con el que Carlos Aguilar y Anita Haas componen su retrato de Law, ahí es nada, tratando de saciar la curiosidad del cinéfilo, un tipo subconscientemente adicto al vouyerismo, centrando sus enunciados no tanto en las opiniones que el actor tiene sobre su trabajo, casi siempre alimentadas por el recuerdo idealizado de lo que pudo ser y, a veces, no fue, sino en el propio contexto en que dicho trabajo se produce, así como su relación con las personas (más o menos próximas al mundillo cinéfilo) que en dicho intervalo van a formar parte de la vida del actor, en la cama y fuera de ella, dejando en el gaznate la sensación de que, efectivamente, incluso la vida de un actor menor en el plano universal (no vamos a cuestionar su estatus de intérprete de cult) como John Phillip Law puede llegar a ser ciertamente estimulante, casi novelesca, vista desde la perspectiva de un explorador que se adentra en la selva para desvelarnos sus secretos más recónditos. Lógicamente, el interés del lector se incrementa cuanto mayores y más conocidas son las alusiones hacia aquéllos que hicieron grande el Séptimo Arte (especialmente referidas a amigos: Jane Fonda, Hugh Hefner, Robert Ryan, David Hemmings, o a otros que no lo fueron tanto: Rod Steiger, Burt Lancaster, Charlton Heston), pero no deja de ser interesante la trayectoria profesional (y vital) de un actor cuyo trabajo le sitúa como testigo y parte no ya de la época que le ha tocado vivir (insistimos, capaz de repletar un anecdotario desopilante) sino como víctima de un sistema de producción en plena crisis al que aún le quedaban unos años para encontrarse de bruces con las servidumbres homogeneizadoras de los blockbusters. Así las cosas, vamos a descubrir a un actor de método (y del Método) perdido en una vorágine de rodajes sin fin en un sinfín de localizaciones entre Estados Unidos (trabajando a las órdenes de Norman Jewison, Otto Preminger o Bob Rafelson) e Italia, (que ya en la década de los sesenta había encontrado un filón inextinguible explotando las constantes de los géneros), pasando por España, (más allá de la decepción que supuso el desmembramiento del Imperio Bronston y con ello su principal proyecto en nuestro país -Isabel de Castilla-, al mismo tiempo que comenzaba a formar parte de una leyenda madrileña cuyos personajes más conocidos seguían siendo Ava Gardner y cualesquiera de sus numerosos amantes); la Bulgaria comunista de finales de los sesenta; Hawai, ahí es nada, al lado del mismísimo Charlton Heston; Gran Bretaña, contando con la connivencia de su amigo, el siempre minusvalorado Peter Collison, Alemania, Sri Lanka o Filipinas, en productos cada vez más alejados de la atención crítica. "Diabolik Angel" es, en fin, un libro bilingüe excelentemente editado, incluyendo una selección de jugosas fotografías (más de 600), algunas de ellas legendarias (Catherine Deneuve interpretando el rol que finalmente realizaría María Schell en "Diabolik"), otras inéditas o poco conocidas (como la que muestra al actor víctima de un proceso de curación de la hepatitis), un complemento ideal de un trabajo cuyo contenido es mejor de lo que pudiera parecer ab initio, no ya por alejarse de la fórmula hagiográfica propia de cualquier biografía consentida, sino por dar la palabra a un actor únicamente reconocido en circuitos cinéfilos de indudable calado pasional, demostrando en términos prácticos que la grandeza del Cine, su esencia mítica y mística, comienza y acaba donde uno quiere. En mi caso, recomendando con fervor este estupendo libro de Carlos Aguilar y Anita Haas. J.P. Bango