La película nos trae de vuelta los personajes huecos, las conversaciones planas e infantiles, las acciones inverosímiles e ilógicas . Toda la genética Lanthimos sigue estando presente. Los comportamientos siguen heredándose, reproduciéndose y propagándose como un desorden mental en la población. Su universo vuelve a mostrarse tal y como lo recordábamos, como si todas sus obras coexistieran en el mismo tiempo y espacio. Aquí tendría cabida el grupo Alps, apareciendo por los pasillos donde trabaja Steven, o esa chica que se escapa finalmente de un maletero del mismo párking del hospital. Pero a estas alturas ya tendríamos que saber que estamos ante un director que no sólo ha sabido crear una obra, sino que también ha creado un estilo y un género que siempre nos golpea con cada acción de sus muñecos.

La fotografía vuelve a ser impecable, planos fijos enmarcando acciones, a veces asimétricos, y sutiles travellings que nos remarcarán que su dirección artística siempre está a la altura de las circunstancias. Su compañero Thimios Bakatatakis siempre nos ofrece una limpieza visual que hipnotiza, mostrándonos ese blanco hospital aséptico, que revolverá nuestra mente cuando empecemos a conocer a Martin. Este adolescente (Barry Keoghan) se convertirá en un peculiar amigo del cirujano después de que su padre falleciera por una supuesta negligencia de Steven. Contemplaremos a un protagonista incapacitado ante hechos no demostrables. Un castigo divino providente de Martin operará el pasado y el presente, donde juzgará mediante un poder omnipresente. Aquí se debe señalar la gran actuación de Keoghan, destacando por encima de Kidman y Farrell, un chico perspicaz y astuto, siempre seguro de sus acciones, confeccionando una imagen universal y todopoderosa, que nos gustará y repugnará a partes iguales.

El director juega con un detalle seco e intrínseco, explicándonos un hecho que no contemplaremos en ningún momento. Lentamente, observaremos que la figura del chico será eje central de la trama, trasladándonos a una enfermedad que recaerá sobre las decisiones de Steven. Se introducirá en la cotidianidad del matrimonio de una manera simbólica y metafórica, sembrando cautelosamente el escepticismo que tanto alabamos de Lanthimos. El guión vuelve a escribirlo junto con Efthymis Filippou, con el que ya ha trabajado con anterioridad. Pero aquí la fórmula creada por ambos sobrepasa los límites de esa docilidad y sumisión que siempre permitimos al director. Notamos que ya estamos delante de una obra demasiado lejana a nuestro entendimiento, dejándole consentir algo mágico y sobrenatural que deberemos creernos sin más. Aunque no es menos cierto que en 'Langosta' ya existía esa incomprensible sala de transformación persona-animal. Pero, aún así, esa sala era un estado de finalización, no un proceso que iremos observando a lo largo de la cinta y que sustenta todo el recorrido del guión. Es por ello que una vez finalizada percibimos una obra vacua, con un desenlace y una imagen final no tan impactante como en sus anteriores obras. La crudeza de los comportamientos humanos resulta confusa por algo que se escapa a nuestra razón.

No obstante, si sabemos dejarnos llevar y volvemos a abrir nuestra mente, dejando pasar todo pensamiento de Lanthimos, veremos una idea desnuda y despojada de todo alarde sentimental. Un film directo a descolocarnos, con esa fuerza áspera y brusca que nos involucrará hasta hacernos quedar paralizados, contemplando una obra extraña e inteligente. Descubriremos una ingeniosa mentalidad, pura e íntegra, desnuda, desobedeciendo la integridad del guión, pero que aún así agitará nuestra visión de la conducta humana. Esta vez el griego nos ha obligado a creer en él, pero confiamos en que ahora que se ha atrevido a traspasar finalmente los límites donde nos tenía acostumbrados, sus nuevas obras nos muestren nuevos niveles de brutalidad humana y nos obligue, de verdad, a quedar inmóviles en nuestra butaca.

Alicia Escribano

Estuve trabajando en la promoción de 'Viva' durante 2 años, llevándola a varios festivales e intentando encontrar distribución. Para este proyecto he estado dos años escribiendo y he tardado cinco años en producirla y realizarla.

En el film vemos referencias en el apartamento, en la salita del té, en algunos conjuros que se realizan, etc. ¿Qué referencias literarias, de pintura o bien de cine has tenido a la hora de realizar el film?

La sala del té, por ejemplo, viene de una experiencia en la que una amiga me llevó a una, donde un grupo de mujeres vivían esta especie de fantasía, con vestidos de época y grandes sombreros. Podían incluso escoger su propio tipo de taza en la que beber su té. Ese lugar era una especie de fantasía de niñas y quería reproducir esta experiencia. De modo irónico me río de esas mujeres que desean ser esas preciosas princesitas en las bodas, o ser la dama de honor. En la película me río de los hombres, pero también de estas fantasías femeninas.

También haces referencias a la literatura y al siglo XVIII. ¿Fue ésta la culpable de que existieran los libros de amor romántico y que además el amor se considere peligroso?

Me interesa hablar del amor desde un punto de vista más personal. El film habla de una persona que vive sin amor. Se podría decir que se parece al personaje de Marilyn Monroe, que creció de pequeña sin recibir nada de cariño ni amor, y a medida que se hizo mayor usó su sexualidad para intentar conseguir ese amor. Pero lo único que consiguió fue atención sexual y dentro de ella se generó un malestar que acabó alcanzando un punto de enfermedad.

¿Por qué has escogido esta estética setentera, que se ve reflejada en el casting, los colores o la música, y luego nos sorprendes mostrándonos un móvil o un coche moderno?

No estaba intentando generar una estética de los sesenta, simplemente quería hacer que la película tuviera un aspecto atractivo y potente.

Me gustaría saber cómo te documentaste sobre el tema de la brujería, la wicca y los rituales que se muestran en la cinta. ¿Has estado en alguno de estos grupos o simplemente te documentaste?

Leí muchísimos libros sobre el tema y en foros online aprendí a partir de muchas conversaciones que me iba encontrando. Pero también hablé con mujeres que actualmente practican brujería. Estuve en varios rituales, e incluso en algunas clases. Además de que también tengo amigas que son brujas.

¿Nos podrías explicar cómo fue el proceso de casting? ¿Qué buscabas en los actores? ¿Cómo los encontraste?

Fue bastante tradicional. Puse un anuncio donde muchos de los agentes miraban y enviaban fotografías, y recibí miles de instantáneas. De ellas hice una selección y realicé pruebas, y de los que me gustaron repetí. Además en Los Ángeles hay esa suerte de que hay muchísimos actores, existe una posibilidad de selección enorme. Si estás buscando un personaje con una mandíbula cuadrada para encarnar al policía lo puedes encontrar, cualquier cosa que estés buscando es fácil de hallar. La mayoría de los actores está empezando y están contentos de trabajar en un proyecto aunque sea de bajo presupuesto. Después de terminar de rodar la película, supe que Griff fue modelo de portadas de novelas de romance.

Me sorprende que tanto los personajes masculinos como femeninos, como ya sucedía en 'Viva', tienen un comportamiento muy exagerado en la forma de actuar. ¿Por qué esta apuesta por la teatralidad?

De hecho yo no dirigí a los actores para que actuaran de esa manera. Ellos llegaron e interpretaron los personajes así. Fue decisión de ellos a partir del guión. De todas formas a mí me parece que las interpretaciones son bastante naturales e interesantes. Me parece que hoy en día la interpretación de los actores es demasiado pequeña, todo se basa en gestos demasiado pequeños.

Cuando escribiste el guión, ¿tenías pensado desde un principio que iba a existir un personaje, en este caso el sargento Griff, que fuera el contrapunto de la bruja Elaine? A lo largo del film la protagonista se encuentra con varios hombres que caen rendidos a sus pies pero, en cambio, Griff da la sensación de que es su adversario.

Sí, efectivamente. Todo el guión parte de ese conflicto entre esos dos personajes, un hombre que no puede amar y dar amor, y una mujer que no consigue ser amada.

Vemos que en los créditos aparece tu nombre en la dirección de la película, el guión, el decorado, el vestuario, la música, etc. ¿No te sientes agobiada al tener tanto cargo? ¿O bien te sientes segura teniendo el control de todo?

En la preproducción lleva tiempo encargarse de todas estas cosas, pero también es algo que me relaja, porque me gusta coser y me gusta construir todo el atrezzo. Lo único que en el momento de dirigir es más difícil, porque tienes que estar pendiente de todo. Aquí ya es más complicado, porque lleva más tiempo, y quizás en este aspecto es donde más me estreso.

Alicia Escribano

La apertura de la teatralidad se abre con una nueva vida de Elaine, conduciendo por delante de un croma hacia su nueva morada. Aquí veremos que la sobreactuación y la representación de los actores enaltecerán 'The love witch'. Nos alejará de la pantalla haciéndonos sentir que estamos viendo una obra de teatro, como si la historia de Anna Biller fuera un cuento, una fábula gótica figurada por personajes estilizados y muy definidos.

Dentro del apartamento de Barbara comenzaremos a conocer la multitud de referencias que la directora ha estudiado y trabajado minuciosamente para esta aventura, exponiéndolas siempre con corte preciosista. El veterano director de fotografía M. David Mullen confecciona este horóscopo audiovisual desempolvando encuadres barrocos y dibujando una serie de frescos encantadores. A los pocos minutos estaremos hipnotizados bajo una paleta de atrevidos colores moldeados sobre el vestuario y el atrezzo. Cada acto está diseñado como si se tratara de una pintura románica, un claro ejemplo de ello serían las conversaciones de Elaine y Trish (Laura Waddell) en la salita del té. Allí una arpista nos evade a la Edad Media con su delicada voz, mientras que los tonos pastel del vestuario y la puesta en escena nos trasportan al mundo kitsch.

La wicca emana en cada rincón, en cada carta de tarot que se nos enseña, aludiéndonos a la historia a partir de acciones esotéricas con una segunda lectura. El guión se desdobla más allá del melodrama y desarrolla esta fantasía con una agria crítica al patriarcado. La directora juega irónicamente con nosotros, componiendo al personaje de Elaine a partir de una pócima de elementos contradictorios. La protagonista utiliza la brujería para predicarnos el poder y el control que alcanza la mujer sobre el hombre, aunque luego lo use para ser la sirvienta de la masculinidad. Incluso Trish, su amiga de apariencia retrógrada, parece ser de una mentalidad más liberal. Pero es que Elaine es una soñadora empedernida, es una chica enferma que vive en su mundo de ilusiones. Es una niña paciente que juega a ser mayor, que no pierde la esperanza de que un día llegará a su vida ese príncipe ideal e irreal.

Y aquí es donde el sargento Griff Meadows (Gian Keys) se exhibe como el antagonista, un hombre respetado, caballero, honesto, fuerte y perseverante con su trabajo, reuniendo todas las cualidades que Elaine busca. Su príncipe azul es el primer hombre que se encuentra llegando a su nueva vida y el que más tarde se volverá a encontrar haciendo perder la cabeza a nuestra bruja. Y si Elaine comparte todas las típicas y generalizadas características de una mujer, Griff, por su parte, posee las propias de un hombre lleno de pensamientos de testosterona, generando un mar de dudas a nuestra amada.

Por otra parte, los destellos sexuales de Elaine desnudan el virtuosismo de la directora en las escenas de sexo, descubriéndonos la comodidad en la que se encuentra Anna Biller en la sala de edición, además del sumo gusto por los encajes y la lencería setentera. La cámara persigue y acaricia el cuerpo de la soñadora bruja, haciéndonos captar nuestra atención como cualquier hombre que se cruzase con ella. Su aterciopelada mirada es más que suficiente para cautivarnos y hacernos creer que pertenecemos a una obra de arte. Pero no nos engañemos, estamos bajo un hechizo que nos hace ver lo que deseamos por un corto periodo de tiempo. Una vez despertemos, nos encontraremos ante un cuidadoso atrezzo, un teatro visto a través de los amados ojos del technicolor. 'The love witch' no pretende mostrarnos un sólido guión, sino seducirnos con una presumida experiencia colorista y que nos quedemos boquiabiertos durante dos horas deseando un beso de Elaine. 

Alicia Escribano

¿Eres vegetariana?

¿Realmente importa?

¿Pero pretendías mostrarnos una visión extrema del vegetarianismo?

En absoluto.

Afortunadamente, el sobresalto (¿la tensión?) de partida se transforma rápidamente en una charla agradable y distendida según avanza el cuestionario.

¿De dónde proviene la esencia del film? ¿Qué tipo de referencias manejabas a la hora de realizar la película?

Soy guionista y quería establecer este film como un reto artístico. Quería construir un personaje con el que me identificase y con el que a la vez sintiera empatía, pero que llegados a un punto cometiera un acto que se podría calificar como inhumano. La idea era mantener esta empatía y que el espectador se adentrara en la cabeza de este personaje y sintiera ese acto inhumano. Quería plantearlo como un juego moral y cuestionar sus valores. De esta manera podemos evolucionar hacia una identidad humana. Yo sabía que el canibalismo era un tema que podría ir a rebufo, pero no estamos hablando de vampiros, estamos hablando de algo humano que, creo, debemos aceptar. Intento que se supere este rechazo inicial y podamos comprenderla.

Este sería el tercer trabajo donde aparece el personaje de Justine. Este hecho nos hace pensar que ha ido creciendo desde su primer cortometraje y su posterior telefilm. ¿Esta transformación física guarda también un aspecto moral? Y, si es así, ¿continuarías con la evolución de dicho personaje?

En el cortometraje y en el telefilm no se abordaba tanto el aspecto moral, sino el aspecto físico. El personaje era más bien como una serpiente que mudaba de piel. Aquí me he centrado en el físico, pero más en su aspecto moral. Pienso que es muy importante que el cuerpo refleje lo que sucede dentro del alma. Creo que todos nos podemos identificar con la situación. Cuando nos sentimos estresados hemos experimentado picores, irritaciones en la piel, nos salen granos, etc. Por tanto, pienso que el cuerpo es un buen reflejo de lo que tenemos en la mente. De hecho, pienso que normalmente el cuerpo habla antes que la cabeza. Refleja antes las cosas. Y encuentro que esta idea es un buen punto de partida para llegar al público.

Tal y como has comentado, los caníbales no son vampiros, pero siempre los hemos asociados a culturas más indígenas. ¿Crees que podemos encontrar casos en nuestra sociedad occidental?

Sin duda el canibalismo está presente en la sociedad occidental. Desde el siglo XIX han existido asesinos en serie que se comían a sus víctimas. De hecho, pienso que es parte de nosotros y tenemos ejemplos bastante claros. Cuando unos padres tienen un hijo, y aún es bebé, se acostumbra a decir aquello de "¡Qué bonito eres! ¡Te comería!".

Es cierto que el film trata el tema del canibalismo, pero creo que aquí va más allá. Incluso podemos referenciarlo al despertar sexual, y a la idea de enfrentarse a la soledad por encima de la protección de la familia.

Es interesante, estamos hablando de una joven que descubre que no es únicamente fruto de sus padres, sino que también se da cuenta de que sus padres no tienen las verdades absolutas sobre la vida y, sobre todo, de la vida adulta. Ella aprende a pensar sola. Se hace fuerte y corta el cordón umbilical con su familia para ser ella misma. Por ejemplo, para simplificar la relación de las dos hermanas, yo recurro a una imagen biológica. La de la célula que se divide y evoluciona, donde ésta adquiere su propia identidad. Sin duda en este fenómeno hay una pérdida, las dos células continúan siendo las mismas, pero diferentes al mismo tiempo.

Más allá de las imágenes explícitas y la propia violencia que podemos ver en el film, también podemos encontrar cierta ternura en relación con la hermana y su amigo. ¿Te resultó complicado encontrar este equilibrio?

Sí, me supuso mucho tiempo. Fue un trabajo largo y preciso encontrar este equilibrio entre las personas y los sentimientos que aparecen en la película. Pienso que es muy interesante la relación fraternal, entre hermanas y hermanos, porque puedes pasar del odio absoluto al amor más profundo, y poco después volver otra vez al odio, y así constantemente. Puedes pasar de un estado a otro sin grandes explicaciones porque estamos delante de un fuerte vínculo. Y este hecho es muy cinematográfico.

Justine rechaza el vegetarianismo de su familia. ¿Tiene esto que ver con la etapa adolescente y rebelde para reafirmar la individualidad frente al colectivo?

Este sería un primer nivel, el de la rebelión adolescente. Pero la rebelión que yo presento es superior, es una rebelión contra la sociedad, contra la violencia general, social, económica, y política.

¿Qué opinas sobre los desmayos que se produjeron en los pases del festival de Toronto? ¿Cree que ha conseguido su finalidad creando una imagen grotesca de su film?

En absoluto, mi intención no era que los espectadores se desmayaran. Pero cada uno tiene su cuerpo, y yo aquí no puedo hacer nada. Al menos pienso que he conseguido que el público sienta cosas físicas, y que su interior se active mientras ven la película.

Alicia Escribano

La actriz Garance Marillier ya había trabajado junto a Julia Ducournau en sus dos anteriores obras. 'Junior', un cortometraje de apenas veintidós minutos, mostraba una curiosa metamorfosis propia de nuestras células y cercana a nuestro organismo. Y 'Mange', un telefilm que escribió junto a Virgile Bramly de 2012. Pero en 'Crudo' quería ir más allá de la mutación de nuestro cuerpo. La cinta decide desnudar la personalidad de su personaje, describiendo visualmente sus sentimientos más sinceros y sus sensaciones más francas, colocándola en una situación y una edad que beneficia la intención de Ducournau.

Aunque la historia peque de un guión básico propio de una estudiante universitaria (personaje colocado en una situación fuera de su contexto y que dicha discordancia justifique más de la mitad de las acciones), se resuelve con un dinamismo y una soltura que hace paladear gustosamente sus imágenes. La apuesta por el condimentado y fresco gore desemboca en un film propio del bueno de Yorgos Lanthimos en plena ola francesa del año 2000, cuando 'Martyrs' y 'À l'intérieur' salpicaban los festivales de cine . Y es por eso que 'Crudo' consigue de forma cómoda expandir su propio universo, el caldo de cultivo de una enfermedad especial. Su impacto visual sin excesos ayuda favorablemente al desarrollo de su trama, dotándola de brío y atrevimiento cinematográfico.

Con ayuda de la adolescencia, Ducournau construye su crítica social como si se tratase de una alergia que se adherirá y se adentrará con picor en nuestro interior. Observaremos cómo poco a poco el estudio y el despiece de los animales en la escuela irán desmenuzando los sentimientos de Justine. Sus experiencias en la facultad de veterinaria irán secando sus ideales, convirtiéndose en un animal más a través de sus compañeros. Su lazo fraternal con su hermana mayor, Alexia (Ella Rumpf), alentará una transformación psicológica, casi imperceptible, pero que Ducournau sabe ocultar con sutileza bajo las sábanas de la fiebre y el delirio. Una enfermedad mental que la guiará hacia el rebaño social, cambiando su rumbo para estabilizar a una población uniforme. Justine es distinta y la masa puede con ella. Porque en ese mundo (¿distópico?) no hay cabida para mentalidades diferentes.

A pesar de que la cinta fue aclamada con varios premios en la mayor parte de los festivales de cine por los que pasó (Austin, Cannes o Sitges, entre otros), los desmayos que provocó en Toronto no han beneficiado a la crítica. La estrategia comercial de clasificarla como una película-ambulancia no ayudó a la valoración y el análisis que exige el film. Estamos delante de un drama sociológico, de una historia distópica que nos quiere mostrar la alergia social que nutre nuestra ansiedad al ver que somos diferentes al resto . Porque la publicidad que ha dictaminado su imagen grotesca viene dada por un mundo caníbal, que ansía que devores este film a costa de sus ideales, tergiversándolo a su antojo para que se una al festín comercial. Es carne cruda, y nuestro cuerpo al desnudo.

Alicia Escribano

Su anterior obra, 'Only God forgives', trastornó a la crítica y tuvo una oscura recepción entre el público. Su narración dispersa y onírica fragmentaba a más de uno en su butaca, alejándose de los principios que pudimos ver en la aclamada 'Drive'. Aún así, NWR ya exploró este terreno en 'Valhalla rising', y vuelve con este demonio siguiendo la estela de ambas predecesoras, recreándose de manera exponencial en una arquitectura visual y metafórica, componiendo un caleidoscópico film alejado de convencionalismos. Cannes abucheó e insultó incluso al propio director durante la premiere de esta nueva cinta, ya que es una apuesta tan efímera que puede considerarse vacía y pretenciosa, pero esta ligereza representa un elemento más en un largometraje donde nuestra reacción y crítica participa en la propuesta. Su fragilidad y vacuidad forma parte del todo, residiendo dentro del gran concepto del film. NWR ha llegado a crear un nuevo género hueco que traspasa las fronteras del metacine. Bello y pulcro, una poesía visual de gran carga metafórica.

La pureza del color salmón vestirá la apariencia de esta joven huérfana, aparentando ser una chica indefensa entre los perfiles biónicos de Gigi, Sarah y Ruby (Bella Heathcote, Abbey Lee y Jena Malone respectivamente). Un triángulo magenta que se preocupará por la novedad, la virginidad e inocencia que acaba de aparecer sobre las brillantes tinieblas. Pero NWR no tardará en mostrarnos que Jesse es algo más que esa suave piel de ternura, introduciendo un gato montés en las sombras de su interior. Una fiera escondida en sus entrañas y que ella reconoce como el demonio dorado de la divinidad. Un arma que utilizará para enfrentarse al reflejo de esos tres fantasmas y poder destacar en el mundo de la pasarela. Destellos de odio y envidia se magnificarán cuando la joven promesa vampirice a sus rivales (almas obsesionadas por el sol de invierno), arrodillándolas para lamer su sangre fresca, momento en el que contemplaremos la exhibición de sus hechizos.

Los sueños del diamante en el mar de cristal presagiarán su sombrío progreso, seduciendo al azul y convirtiéndolo en rojo, besando sus múltiples reflejos, cuyos espejos protagonizan sus diferentes apariencias. Y es aquí donde el director nos presenta a una modelo difícil de digerir, con múltiples vértices y aristas, y entonces aprenderemos que 'The neon demon' es una potente propuesta con una inmensa paleta de colores. La fotografía fluorescente de Natasha Braier capturará nuestra atención, transformando este demonio en una angelical Elle Fanning que llegará a embelesarnos, abstrayéndonos de la propia historia, devorando cada gesto, cada paso, deseando ser ella en cada escena. Su mirada perfumada impregnará nuestra retina acristalada, magnetizándonos con su poder de convicción. El danés nos describe un símbolo de apariencia frágil pero con una inteligencia peligrosa.

El resplandor de sintetizadores de Cliff Martinez hará desfilar a estas modelos en una intermitente conexión neuronal, cautivándonos a través del sonido y la imagen, enmudeciendo el film para sentir una satinada electrónica que desvestirá nuestras sensaciones. Delicadas limaduras gotearán perfectamente sobre sus escenas, acompañando sus eléctricas poses hacia un espectáculo audiovisual que confirmará, finalmente, el denominado cine neón.

Con todo esto vemos que NWR ha sabido crear, una vez más, una mitología visual repleta de simbolismos. El triángulo magenta, las tres vampiras hambrientas que se inyectan belleza, son una clara referencia de los arquetipos que oprimen nuestra sociedad a base de insustanciales necesidades, pero desgraciadamente la electricidad de la belleza es la energía que nos impulsa en nuestra actual vida para llegar a amar a una persona. A no ser que sigamos siendo de aquellos que señalamos la Luna y seguimos creyendo en su interior y el poder que ejerce sobre nosotros. Porque, como todos sabemos, la Luna es ese ojo que todo lo ve.

Alicia Escribano

Este thriller de ciencia ficción es una inverosímil cinta que transcurre dentro de un insano ambiente que convive entre tonos lilas, rojos y amarillos, donde una secreta corporación rapta a seres humanos para realizarles una serie de investigaciones. Su ritmo progresivo, y un disipado 'Hostel' de Eli Roth, nos mantendrán atados de pies y manos para descubrir cuáles son los propósitos que tienen pensados para Reene (Rapace). Nuestra protagonista será un conejillo de indias al que le olerán su piel constantemente con sutiles pruebas, y así confirmarles que está cerca de la denominada 'ruptura'.

El cierre automático de las celdas estará marcado por tres golpes disonantes que oxidarán nuestra percepción de la organización y la idea que nos están narrando. Las escapatorias ilusorias de Reene, dentro de esta colmena industrial de avanzada tecnología, carecerán de intensidad, descubriéndonos unos ambiguos agentes de apariencia peligrosa. En los largos caminos por los conductos de ventilación iremos comprobando unas templadas imágenes que reafirmarán algunas de nuestras remotas teorías, momento en el que comenzaremos a desechar nuestras ideas preconcebidas de aquel lugar.

'Rupture' es un estrambótico guión que el director defenderá dándole imagen y movimiento a un extraño proceso, donde los espectadores se quedarán atónitos con tal resolución. Pero su progreso contiene cierta debilidad llamada escepticismo. La organización argumenta unos fines tan alejados de nuestra realidad que hace que lo veamos como la ficción que es, alejándonos de la pantalla y de la propia protagonista. La corta presentación de Reene y su entorno no ayudan a que nos involucremos en su vida, ni que empaticemos con ella cuando la veamos bajo los tenues focos de su celda, ni tan siquiera en esos temerosos estudios a los que es sometida. Perdemos interés en el momento en que ese cúter cae y queda en el olvido (como muy posiblemente también nos ocurra con esta cinta), perdiendo la acción que habíamos interpretado. Porque, a fin de cuentas, nosotros somos humanos, y nuestro código genético está diseñado para que podamos comprender empatizando, trasportando esas sensaciones a nuestra realidad de acción-reacción.

Alicia Escribano

El director y guionista diseña una belleza sádica de impoluto silencio. Una composición de miradas corporales que los personajes operarán en cada fotograma, recreando angustiosos planos monocromáticos. La fotografía marcada por Zach Kuperstein es un constante equilibrio entre los elementos dramáticos y crueles que se nos presentan. La falta de cariño de la protagonista recreará duras escenas con gran impacto visual que nos incomodarán en nuestra butaca, haciéndonos descubrir que asesinar a alguien nos puede resultar maravilloso. El oscuro granero esconderá perturbadoras imágenes, donde nuestra protagonista iluminará sombras de sangre y de dolor. La cámara será arrastrada, seguirá los pasos de su padre, o bien se convertirá en planos fijos llenos de sutiles detalles. Veremos a Francisca desde la casa por la ventana, acercándose a su presa, mostrándonos un universo cercano al de Yorgos Lanthimos. Y es en ese momento cuando nos daremos cuenta de que Nicolas Pesce ha creado una obra clásica, anclada en un espacio único que perdurará en el tiempo. Sus tres episodios alentarán su pausado ritmo. Etapas que coexistirán en nuestra mente, describiendo un mapa familiar y narrándonos una serie de anécdotas hiladas con gran maestría.

'The eyes of my mother' consigue dislocar nuestra visión del mundo. Logra desconcertarnos tanto como cuando la pequeña Francisca vive esa desgracia que le marca para toda su vida. Una escena que pervertirá nuestra mirada y despertará nuestra curiosidad acerca de si asesinar a alguien es maravilloso o no. Y cuando lo descubramos, estaremos honrando a nuestra madre y a aquel ojo de vaca por el cual vemos todo, preguntándonos qué fue lo último que vieron ambos.?

Alicia Escribano

En cuanto las ramas fueron apartadas, la reacción de la crítica y el hype aparecieron de entre los árboles, proclamándose como una de las cintas de terror más esperadas de este año. Ángel Sala, director del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, comentó en la presentación de la 49º edición de su certamen que los quince últimos minutos de 'Blair witch' serían los más terroríficos que veríamos en el festival. Estas palabras causaron que el público comenzara a tener grandes expectativas con la película, deseando ver ese final tan terrorífico que tanto se estaba comentando. Por otra parte, las críticas que se estaban esparciendo por Estados Unidos no estaban siendo muy positivas, y esta diferencia de opiniones causaba mayor inquietud, aun temiéndose lo peor.

'The Blair witch project' contaba la historia de tres jóvenes que desaparecieron en 1994 en el bosque de Black Hills de Maryland. Rodaban un reportaje sobre la bruja de Blair, entrevistando a lugareños, recabando información y documentándolo todo en video, hasta que llegó un momento en el que fueron abducidos por una misteriosa fuerza sobrenatural escondida entre los árboles.

La secuela retoma esta historia con el hermano de Heather. James querrá buscar a su hermana desaparecida junto a unos amigos y un par de aldeanos, convencido de que la encontrará en aquella zona. Aquí volveremos a contemplar el bosque en toda su profundidad, desvelando nuestro negro sueño a altas horas de la madrugada y descubriéndonos esas ramas secas colgantes que tanto nos gustaban. Nos hará salir de nuestra tienda de campaña, y nos hará disfrutar de esos montones de piedras que recordábamos con tanto cariño. Todo estará donde lo dejamos.

La fuerte lluvia presagiará ese ansiado final, mostrándonos aquello que tanto nos aterrorizó en su primera parte. Extenderá su metraje y su angustia, mostrándonos aquellos huecos que sabiamente intuíamos y paladeábamos en nuestras visiones mentales. Y es que Adam, excavará pudorosamente esa tierra para mostrarnos algunas nuevas raíces de la bruja de Blair que quizás no deseábamos ver. El terror que se mostraba anteriormente era visualmente inexistente. La ansiedad provenía del desconocimiento, de los inexplicables sucesos que brotaban del frondoso bosque. Y uno de los mayores errores que contiene esta secuela es darle forma e imagen a los hechos, fertilizando ese terreno con fáciles representaciones y detallándolo. Creando un producto reciclable y alejándose de la adoración al culto.

Aun así, Wingard logra situarnos en ese bosque de Maryland en la actualidad, aportando toda la tecnología que usamos a diario y que hoy conocemos, dotando a su película con el realismo que los espectadores demandan. La utilización de la primera persona era esencial para volver adentrarnos en el bosque. Aquí el fuerte viento agitará los árboles, esparciendo las gotas de lluvia hasta las cámaras. Volveremos a seguir sus andanzas con dispositivos de vídeo, pero esta vez colocados en sus orejas, agilizando de esta manera el ritmo de la narración. Y aunque el dichoso mapa haya sido reemplazado por el GPS, sabemos que de poco servirá bajo la omnipresencia de la bruja, pero toda esta tecnología era completamente necesaria para recrearlo en nuestros días. Y cabe decir que la vista que conseguirá avistar el drone será una de las imágenes más sutiles e impactantes, algo que nos hará recordar ese terror invisible de su antecesora.

Porque esta cinta contiene algunos aciertos, como algunos de esos detalles que representan esos fenómenos paranormales y describen al ente del retorcido bosque. La oscura noche de hoja perenne nos traslada a unas tinieblas interminables, sin posibilidad de escapatoria entre la espesura de las ramas, creando una desorientación temporal a nuestros protagonistas. Una noche que nos recuerda a ese cielo poseído que creó Sam Raimi allá por el 1981 para 'Evil dead', y que aquí formará parte de una potente energía capaz de romper cuerpos sin previo aviso.

Es posible que esta película tampoco llegue a considerarse la digna secuela de 'The Blair witch project' y simplemente se hable de ella en un futuro como un remake oculto entre las paredes. Pero lo que sí podemos decir es que Adam Wingard ha conseguido colocarnos en un rincón mirando hacia la pared, y hemos permanecido en esa posición hasta que hemos sido golpeados por algo que ya esperábamos (y ansiábamos). No confiábamos a estas alturas en una secuela, pero en cuanto supimos de ella comenzamos a sentirnos impacientes al intuir su presencia. Sencillamente nos quedamos inmóviles, esperando el momento indicado para poder girarnos y mirar a la bruja a la cara, y por fin ver lo que no queremos ver.

Alicia Escribano

Su preludio, donde vemos a un joven Takakura en la comisaría de policía, resume en una única (y magnífica) escena todo su film, presentándonos la locura que nos encontraremos después de forma extendida, consolidando la importancia de su narración y preparándonos para contemplar una enfermedad mental desde nuestro vecindario. Nishino se nos muestra como una persona inestable emocionalmente, amable y atenta a veces, pero reacia en otros momentos. Poco a poco, su insistencia por conocer mejor a la nueva familia e intentar ser un buen vecino nos ayudará a saber más sobre él, invitándonos a su casa y examinando de cerca su trastorno. Kurosawa nos ofrece las pistas necesarias desde el comienzo, sin apenas ocultarlas, para que veamos progresivamente dicho proceso. Intenta describirnos ese desequilibrio convirtiendo a Nishino en el protagonista de esta cinta.

Tanto el misterioso líquido de la jeringa, como el torpe comisario o bien los apáticos vecinos secundarios, serán elementos en los que el director no profundizará demasiado. Se sincera mostrándolos al espectador, siendo su recurso para encajar su historia de una manera más realista. Y es que 'Creepy' tiene un guion lento que intenta abarcar todos los aspectos posibles, desde su perfecta composición del antagonista hasta unos puntos débiles que podrían alterar su film. El director siempre ha intentado ser fiel a su idea, aunque le haya avergonzado mostrar el desorden de su casa. A veces demasiada franqueza puede resultar inquietante a tus vecinos.

Alicia Escribano

Un grupo de astronautas serán enviados a Aura, un extraño planeta del que recibirán un mensaje de alerta y deberán ir a investigarlo. Una vez que hayan aterrizado, se nos presentará un exótico mundo de cielo rojizo, lleno de géiseres y lagos de lava. Comenzarán a estudiar el desolado paraje hasta que los propios integrantes de la tripulación serán poseídos uno tras otro por una fuerza extraterrestre, haciéndolos revivir bajo un shock alienígena. Es aquí cuando Mario Bava nos introducirá en un planeta vaporoso de acción disipada, careciendo de dinamismo, que junto a unas escenas esparcidas nos recordará su bajo presupuesto de serie B. Pero si contextualizamos esta obra en su tiempo, reconoceremos que contiene los suficientes elementos e ideas transgresoras para su época, en la que el director italiano supo mezclar el género de terror y el de ciencia ficción en una historia futurista.

A día de hoy pocos son los que recuerdan a Mario Bava, creador de la gótica 'La maschera del demonio', o bien el giallo 'Sei donne per l’assassino'. Películas que pasaron desapercibidas, pero en las que encontraremos múltiples referencias actuales y sólidos cimientos de ideas que fueron desarrolladas a posteriori por otros directores. Su 'Reazione a catena' ('Bahía de sangre') se considera el primer slasher cinematográfico, que años más tarde directores como John Carpenter o Wes Craven supieron renovar, adaptando este género a sus días.

Es por eso que 'Terrore nello spazio' tiene ese punto nostálgico e innovador. En sus imágenes podemos apreciar ese presentimiento del cine, como si se tratara de un áspero oráculo que muestra esas pequeñas partículas que estarán presentes en las próximas películas de las siguientes décadas. Una niebla de géneros que recordaremos (una vez más) en otras cintas, y que nos hará llegar al punto de partida para volver a visionar y analizar esta cinta del 1965.

Alicia Escribano

El director novel, que fue expulsado en tres ocasiones en su etapa universitaria, explica muy brevemente en su primer largometraje cómo dos hermanos (María Evoli y Diego Gamaliel) llegan a una casa abandonada. Allí se encontrarán a Mariano (Noé Hernández), un peculiar individuo que les mostrará las oscuras entrañas de su vida. Pronto convertirán la estancia en una cueva que recreará nuestro propio interior, ubicándonos en un lugar atemporal, enfatizando su mensaje sin exteriores ni grandes planos. Emiliano nos sitúa en un paisaje visceral que desencadenará una serie de nuevas escenas que podrían pertenecer a 'A serbian film', mostrando al espectador el incesto y el sexo explícito con constantes pasajes agrios que Mariano irá recitando.

El film es un viaje a nuestros deseos más obscenos, estimulando nuestros pensamientos más sucios y prohibidos, proponiéndonos despojarnos de toda nuestra castidad para adentrarnos en una lasciva cotidianidad. Pero su promiscuidad y su abuso de la provocación nos resultará algo alarmante. Su única finalidad se basará en mancillar al público de la sala, minuto tras minuto, sin ninguna trama que pueda dotar de coherencia a ese conjunto de acciones que se nos muestra, un guion incorpóreo que juega a estimular deseos sexuales. Desnudando su película sólo nos encontraremos claras referencias sin percibir ninguna esencia de un denominado estilo personal. El peso del film recae en sus preferencias cinematográficas, saboreando el tándem Gaspar Noé y Benoit Debie hasta límites insospechados, y rehaciendo sus escenas favoritas en un alarde de complejo narcisista.

Emiliano Rocha Minter ha querido ir a contracorriente del cine convencional intentando provocar en todas las escenas de su debut, hurgando en la pornografía sin pensar en el erotismo. Olvidándose de que a veces sugerir exhibe más que el propio sexo explícito, descuidando la inteligencia del espectador y la propia invitación a la reflexión.

Alicia Escribano

Su progresiva pérdida de la voz y su vertiente sanguinaria (el deseo que tienen de seccionar laringes y comer corazones) logran introducirnos en un mundo espectral subacuático, como si los pasajes de 'The little mermaid' fueran narrados por un Hans Christian Andersen bajo los efectos de una fiebre de la espuma. El diseño artístico de la película es una atractiva puesta en escena de iluminación fría y vaporosa, con oscuros azulejos cian, donde sus largas e imponentes colas de sirena sobresalen de insulsas bañeras, invitándonos a tocar sus templadas escamas para acabar sumisos bajo esta fantasía delirante.

Una de las virtudes de 'The lure' es un lenguaje de sonidos cetáceos que las pisciformes utilizan para comunicarse y que la directora aprovecha para ahondar en la relación entre sus personajes y el público de la sala, ya que, al ser inaudibles en su entorno, nos hace partícipes de sus intimidades y logra que empaticemos fácilmente con estos seres mitológicos. Esta corriente dramática hará que aumente nuestro amor por ellas y suspiremos para que nuestros deseos queden saciados bajo sus voces.

Alicia Escribano

La película explica la historia de un policía que traslada a un herido a un pequeño hospital cercano. Allí se verá implicado en una serie de terribles sucesos en los que su vida correrá peligro, acosado por una secta. En estos primeros minutos los directores nos sugieren un malsano 'Assault on precint 13' de John Carpenter, donde el grupo de encapuchados acecharán con su enigmático triángulo negro a los que ocupan el aislado hospital.

Dentro de este laberíntico hospital habitan grandes referencias de la nueva carne. El viscoso monstruo de 'The thing' será el que extienda la ansiedad y el terror sobre los residentes. Pero sus gritos y lamentos sólo se harán eco de una narración dispersa y accidentada, ahogando su perfecto ambiente enfermizo a lo Clive Barker entre cortinas de plástico ensangrentadas. Una verdadera lástima que estos dos directores con largo recorrido en efectos visuales no profundicen en esas cesáreas innecesarias, proponiendo un relato más complejo, porque definitivamente nos da la sensación de que su historia alarga esos pasillos llenos de camillas hasta una sencilla (y caótica) resolución interdimensional, vaciando todas las acciones de la película por un agujero.

Alicia Escribano

A medida que vayamos destapando las cartas de 'Beyond the gates', iremos viendo que este Atmosfear carece de ritmo. Después de que ambos hermanos, Gordon (Graham Skipper) y John (Chase Williamson), reproduzcan el momento inicial de Sam en 'Tron Legacy' dentro del Flynn’s Arcade, jugaremos sobre un tablero lento con ciertos problemas para arrancar. La búsqueda de las cuatro llaves que salvarán a su padre del más allá es más bien un estudio de un guión que debe salvar su propia narración. Si somos de aquellos que recordamos que 'Jumanji' aprobaba sus dados con nota, veremos que esta cinta consigue un difícil suficiente, aprobando gracias a su cuidada dirección artística, repleta de detalles que nos harán suspirar por esos juegos de mesa que guardamos bajo polvo.

Y es que, una vez terminada la partida, acabaremos con la misma sensación que tiene Barbara al esperar los próximos movimientos de los jugadores, una impresión de anhelo, con ganas de saber cuál será el futuro de Jackson Stewart, ya que, hoy por hoy, el director novel sólo ha conseguido elaborar un completo y detallado juego, pero ha olvidado por completo leer sus instrucciones cinematográficas.

Alicia Escribano

Eric (Alan McKenna) es un topógrafo al que le han destinado a estudiar un terreno indocumentado. Se siente alejado de su familia y decide aceptar el misterioso trabajo. Una vez allí, se percatará de que aquel lugar contiene una fuerza subterránea invisible a los aldeanos, un aura escondida entre los árboles que se materializa en una desconcertante sombra que aparece de manera intermitente. La fotosíntesis del personaje con el mundo espiritual se realizará mediante una infusión de hierbas, raíces, hojas y plantas, empezando por un viaje alucinógeno al ingerir una serie de hongos. Eric acabará alcanzando un estado emocional más allá del mundo terrenal que conocemos, fusionándose con su entorno, convirtiéndose en esa sombra que deambulará eternamente en un libro sobre los espíritus de los árboles.

Sería fácil señalar 'la zona' de 'Stalker' de Andrei Tarkovski como punto de referencia, pero Finnegan enfoca su territorio hacia un apartado visual más cercano a la naturaleza que a la metafísica. Haciendo hincapié en la metamorfosis de Eric, mostrándonos un nuevo nivel de vida, una capa más de nuestros cuerpos que desconocemos. Quizás 'Without name' no podría considerarse un film, sino que tal vez podría analizarse como un documental acerca de una posible evolución humana, en el cual sus imágenes son los estados emocionales que la persona deberá superar para traspasar la frontera de la realidad que conocemos.

Alicia Escribano

El protagonista tendrá que decidir si aceptar la propuesta de Johnny y matar a su padrastro, o dejar pasar esta oportunidad y asumir la situación. Ambos caminos se irán intercalando con cierta aceleración hasta que el director frene y gire el volante en una repentina curva. En ese momento nos sentiremos engañados después de haber visto unas cartas sobre la mesa con las que después no se juega. El director se proclama ganador de una partida que ha gestionado él desde el principio, dejándonos desorientados en un cruce de carreteras de Nevada. Es posible que sobre papel este giro funcione a la perfección (un camino de la bifurcación es el principio de la otra), pero la sensación es confusa y el mareo dura lo suficiente para que dudemos de su coherencia y no sepamos descifrar las siguientes señales de tráfico que nos iremos encontrando.

Este desvío, al que hace alusión el propio título de la película, parece ser demasiado inteligente en relación a sus personajes. Ya que, mientras vamos conociendo al resto del reparto y la trama va llegando a cierto nivel de complejidad, comprobaremos que la mente de nuestro protagonista será la única dotada de cierta capacidad de juicio. Cherry (Bel Powley), la compañera de Johnny, interpreta un insignificante papel con el que no podremos empatizar, ni siquiera en el plano final, y esto nos hace pensar que Smith sólo ha redondeado y pulido a su protagonista, su alter ego.

Finalmente, 'Detour' acaba siendo un modesto film en el que Christopher Smith intenta (una vez más) separarse de un guión convencional, saltándose algunas normas de circulación para poder alcanzar la deseada consagración de su propio estilo.

Alicia Escribano

Entre los días 7 y 16 de Octubre, el Festival de Sitges nos teletransportará en su nave hasta el universo de ciencia ficción y terror al que ya nos tiene acostumbrados. Entre el más de un centenar de películas que podremos disfrutar, nos encontraremos con jugosos títulos como el de Julia Ducournau, que nos obsequiará con su debut caníbal Raw (Grave)'. Agnieszka Smoczynska nos humedecerá con un musical protagonizado por dos sirenas que transitan un club nocturno ('The lure'), o 'Without Name', un inquietante debut del estudiante de diseño gráfico Lorcan Finnegan. Rob Zombie y Sheri Moon Zombie visitarán la ciudad para presentar '31', una película que sigue el macabro rastro de anteriores obras como 'La casa de los mil cadáveres' y 'Los renegados del diablo'. Los nostálgicos del VHS tendrán sesión asegurada con Jackson Stewart, que nos invita a su primer largometraje titulado 'Beyond the gates', donde podremos curiosear en su tienda de cintas de cine de terror y un videojuego interactivo rescatará a Barbara Crampton, musa de 'Re-Animator', que también asistirá al certamen. La elegancia vendrá marcada a ritmo de sintetizador por Nicolas Winding Refn, que iluminará la alfombra roja del Auditori Melià para mostrarnos su polémica 'The neon demon', una propuesta efímera sobre el mundo de las pasarelas que refrescará la controversia que despertó en Cannes.

En el panorama nacional tendremos la esperada 'Colossal', con Nacho Vigalondo al frente, así como también el 'Proyecto Lázaro' de Mateo Gil, que nos mostrará un audaz film sobre la descongelación de los seres humanos en un mundo futurista. Jonás Cuarón, hijo del creador de 'Gravity', nos introducirá en su 'Desierto' con Gael García Bernal, remarcando la tensión que existe con los migrantes que desean cruzar la frontera entre México y Estados Unidos. Entre los galardonados encontraremos a Max von Sydow ('El exorcista', 'El séptimo sello') y el oscarizado Christopher Walken ('La noche del cazador', 'Sleepy Hollow'), que recibirán el Gran Premio Honorífico de Sitges.

The neon demon

El triángulo cinematográfico formado por Nicolas Winding Refn, Cliff Martinez y Elle Fanning compone la obra audiovisual del año. Un film transparente con colores neón que trata el mundo de las supermodelos y sus cánones de belleza. Este nuevo trabajo de NWR responde a los elementos visuales ya creados en 'Only God Forgives' y los hace converger en las dimensiones del giallo esotérico de 'Suspiria', el erotismo de 'Showgirls' y el misterio lynchiano de 'Mulholland Drive'.

Blair witch

Adam Wingard nos adentra en el bosque de Maryland para averiguar qué sucedió con los tres jóvenes que desaparecieron allá por el 1994 en 'The Blair witch project'. El hermano de Heather y unos lugareños tendrán que enfrentarse a las raíces sobrenaturales de la bruja de Blair y al terror invisible que emerge de la oscuridad de los árboles. El propio Ángel Sala comentó en la rueda de prensa que sus últimos veinte minutos serán lo más aterrador que veremos este año.

The love witch

La brujería technicolor de Anna Biller nos trae su nueva seducción, titulada 'The love witch', repleta de pócimas de amor aterciopeladas. Esta comedia de terror que homenajea el cine de los sesenta nos explica la historia de Elaine, una joven bruja que mediante sus conjuros atraerá a todo tipo de hombres a su apartamento victoriano y veremos cómo su magia satinada se le irá de las manos.

Colossal

Nacho Vigalondo nos muestra la relación que existe entre la mente de Anne Hathaway y un kaiju (monstruo gigante japonés) que está destruyendo Seúl a través de una comedia de ciencia ficción. Su estrambótica historía y su humor extravagante nos sitúan en un apocalipsis narrativo en el que el creador de 'Los cronocrímenes' alarmará nuestra curiosidad.

Raw (Grave)

La debutante francesa Julia Ducournau se está ganando al público más caníbal que adora la sangre y las vísceras del buen estilo. Cannes y Toronto ya han podido saciarse con esta historia distópica en la que toda la sociedad es vegetariana y su protagonista decide pasarse a la carne. Su espléndida estética visual y sus crudas imágenes la proclaman como la película-ambulancia de esta edición.

The eyes of my mother

El inmaculado blanco y negro que nos presenta el debut de Nicolas Pesce traumatizará a una pequeña niña llamada Francisca, que vive en una granja con su madre cirujana. El Festival de Sundance se dejó diseccionar por su anatomía poética y premió a este film lleno de claroscuros familiares propios de Ingmar Bergman. Sus maravillosos capítulos despertarán nuestra curiosidad por la psicología humana.

The handmaiden

Esta historia, que Park Chan-wook ambienta en la Corea de la década de los treinta, nos muestra cómo una joven carterista se hará pasar por la criada de una mujer adinerada. Sus planes se verán alterados cuando surja una hermosa atracción entre ellas dos y sus inquietudes traspasen la moralidad. Un excitante thriller erótico que nos hará recordar quién es el director de 'Old Boy' y 'Stoker'.

The void

Jeremy Gillespie y Steven Kostanski firman los encapuchados sectarios de 'The void'. Un policía traslada a un hombre herido a un pequeño hospital y quedan dominados por un grupo de ocultos liderados por una criatura digna de la nueva carne de Cronenberg. Su inquietante atmósfera clínica y la degeneración se unen en una trituradora de órganos viscosos que disfrutarán los amantes de Carpenter.​

Alicia Escribano

Además, también estarán en el monte Kobeta Marc Dorian DJ set, Dani Less DJ, Dark DJ, David Van Bylen DJ y JotaPop Dj.

Entradas de día, a la venta este lunes

Las entradas de día para cualquiera de las tres jornadas estarán a la venta desde las 11 de la mañana del lunes 20 de marzo a un precio de 45 euros + gastos (5 euros más si se adquiere el acceso a camping). El 3 de abril, el precio ascenderá a 50 euros + gastos (5 euros más con camping) hasta el 17 de abril, cuando las entradas alcanzarán su precio definitivo hasta taquilla, a 55 euros + gastos (y 10 euros más con camping).

Así queda la distribución del festival:

Jueves 6

DEPECHE MODE/ JUSTICE/ THE 1975/ AUSTRA/ CAGE THE ELEPHANT/ SPOON/ XOEL LÓPEZ/ CABBAGE/ CIRCA WAVES/ GUS GUS/ IDLES/ NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO/ VULK/ ZAZKEL/ DAVID VAN BYLEN DJ Basoa: DIXON/ THE BLACK MADONNA/ MIKE SERVITO/ HONEY SOUNDSYSTEM/ BALDO

Viernes 7

THE KILLERS/ PHOENIX/ FLEET FOXES/ ROYAL BLOOD/ EXPLOSIONS IN THE SKY/ ANÍMIC/ CARLA MORRISON/ COQUE MALLA/ JESSY LANZA/ JOE GODDARD Live/ THE ORWELLS/ LOS PUNSETES/ SUNDARA KARMA/ THE AMAZONS/ DANILESS B2B DARK DJ

Basoa: DAPHNI/ DJ TENNIS/ MARVIN & GUY/ NICOLA CRUZ/ BAWRUT

Sábado 8

DIE ANTWOORD/ TWO DOOR CINEMA CLUB/ BRIAN WILSON/ ATERCIOPELADOS/ LOS BENGALA/ BIZNAGA/ DELLAFUENTE & MAKA/ KOKOSHCA/ THE LEMON TWIGS/ NARANJA/ JOTAPOP/ MARC DORIAN DJ SET

Basoa: MOTOR CITY DRUM ENSEMBLE/ ANDREW WEATHERALL/ JOB JOBSE/ LENA WILLIKENS/ JAVI GREEN

La actriz Terele Pávez, nacida en Bilbao en 1939, recibirá este año el Premio Nosferatu de la sección Brigadoon del Festival de Sitges, donde se proyectarán algunos títulos de su filmografía, como 99.9 de Agustí Villaronga. Actriz de tradición familiar, con cerca de cien títulos en su filmografía entre sus papeles en TV y cine, consiguió su primer papel en la película Novio a la vista (1954) de Luis García Berlanga, gracias a la mediación de Jesús Franco, amigo de la familia. Terele Pávez participó en títulos tan importantes para el cine español como Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) o El aire de un crimen (Antonio Isasi-Isasmendi, 1988); el aficionado al fantástico la recordará por su vinculación con el director Álex de la Iglesia en trabajos como El día de la bestia (1995), La comunidad (2000), 800 balas (2002) o Balada triste de trompeta (2010), culminando en 2013 con su extraordinaria actuación en Las brujas de Zugarramurdi. 

En Brigadoon también se rendirá homenaje al realizador, novelista, documentalista y publicista italiano Corrado Farina, fallecido el pasado mes de julio, director de dos films de culto dentro del cine de género proveniente de Italia de los años 70. Baba Yaga (1973), la segunda película de Farina basada en una de las más populares series de cómic adulto italiano (Valentina), podrá disfrutarse en Brigadoon. Y cómo no, el Festival de Sitges no podía olvidarse de la actriz catalana Emma Cohen, fallecida también este mes de julio. Nacida en Barcelona en 1946, en Brigadoon podrán verse dos de sus películas más aclamadas: Al otro lado del espejo (Jesús Franco, 1973) y ¡Bruja más que bruja! (Fernando Fernán Góme z, 1977). Estos dos tributos se unen al ya anunciado el pasado mes de julio en rueda de prensa: el homenaje al realizador Joan Bosch, que murió el pasado mes de noviembre, con la proyección de sus films A sangre fría o La muerte llama a las diez. 

Entre los estrenos que este año presenta la programación de Brigadoon, destaca Ibiza Undead del director británico Andy Edwards, en el que un grupo de veraneantes en la isla de Ibiza se encontrarán con unos anfitriones de lo más ‘interesantes’: zombis. Humor y gore están asegurados. También resalta otro estreno: la nueva película del director italiano Luigi Cozzi (Premio Nosferatu 2012) que estará en Sitges para presentar Blood on Méliès' Moon,un thriller de ciencia ficción que cuenta con la presencia de Dario Argento y Lamberto Bava interpretándose a sí mismos. Junto a la película podrá verse el documental FantastiCozzi, dirigido por Felipe M. Guerra y centrado en la figura del realizador. Siguiendo con el género documental, dos son los tí tulos que también podrán verse en Brigadoon: el documental SPUTNIK!, dirigido por Asier Abio, que analiza, a través de directores y festivales, la situación del cine fantástico independiente y de bajo presupuesto realizado en Catalunya, y The Unauthorized Hagiography of Vincent Price, documental dirigido por Michael Lane, una biografía no autorizada del icono del cine de género, Vincent Price, un curioso mediometraje narrado con la propia voz y los personajes del llamado Maestro de lo Macabro. Tres documentales más a sumar a los ya adelantados por el Festival: Joe D'Amato Totally Uncut: the Horror Experience, dirigido por Manlio Gomarasca y Davide Pulici; el documental Me Me Lai Bites Back: Resurrection of the Cannibal Queen, dirigido por Naomi Holwill, y Satan’s Blood. Memorias de Escalofrío, de Luis Esquinas, centrado en la película Escalofrío (Carlos Puerto, 1978). 

Además de los largometrajes de ficción ya desvelados de la programación del Brigadoon de este año como son Peelers, de Sevé Schelenz, o Therapy, found footage dirigido por Nathan Ambrosioni, otro estreno en este espacio será el film catalán de ficción y muertos vivientes, Infección Zombi, opera prima del director Jacint Espuny producida por Kutrefacto Films: una historia post-apocalíptica de zombis con acción y gore hasta hartar. 

Para finalizar, como ya es habitual, la tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar el primer sábado del Festival, que será el 8 de octubre y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.