"Aliento": la última exhalación vital de Kim Ki-Duk
09/05/2008 - 14:43
Sería bastante oportunista y acomodado por mi parte sugerir que “Aliento” (“Breath”), el décimo cuarto largometraje de Kim Ki-Duk (a la espera de “Dream”), es la refrendación de la domesticación del realizador coreano, capaz de haber ido aligerando el lastre áspero de su filmografía hasta lograr el equilibrio perfecto entre la autoría indiscutible y el vértice justo donde (casi) todo el público podría llegar a tener cabida.
"Ploy": la caducidad del amor entre la vigilia y el sueño
06/05/2008 - 23:53
Acusado con frecuencia de bordear el resbaladizo terreno de la pretenciosidad y la falsedad, el tailandés Pen-Ek Ratanaruang como mínimo nunca apuesta por la convencionalidad y su discurso evita casi siempre la indiferencia y la pasividad del espectador.
Tachada de fría y fraudulenta, “Ploy”, respondiendo a la faceta más abstracta de su realizador, podría haberse erigido como una temible impostura, y sin embargo es preferible a trabajos intensos pero no del todo satisfactorios como “Las life in the universe” o “6ixtynin9”. Principalmente por resultar más equilibrada y coherente que los títulos citados anteriormente aunque su consistencia expositiva indudablemente recuerde a la del film protagonizado por Tadanobu Asano.
Es curioso por otro lado que sea esta película la que de un modo u otro se aproxima sutilmente a planteamientos visuales y narrativos que podrían argumentar como pruebas aquellos que defienden la comparación de la obra de Ratanaruang con la de David Lynch. Afirmaríamos una vez más lo falaz del razonamiento si no fuese porque en “Ploy” se cumple la doble extensión del significado que en la filmografía del director de Montana tiene el concepto de textura. Textura entendida como la creación de ambientes de relevante plasticidad y fuerza que cobran su propio protagonismo, tanto o más que el mismo relato y sus personajes. Así sucede en este film, donde la combinación de su gélida estética, la tenue y serena fotografía de Chankit Chamnivikaipong (sustituyendo al habitual Christopher Doyle), y la onírica languidez de su banda sonora compuesta por Hualampong Riddim y Koichi Shimizu permiten que esta narración que circula indefinidamente entre lo real y lo soñado adquiera una densidad singular, una enigmática energía que por momentos se manifiesta tan pesada como ingrávida, jugando un papel destacado la sensación que en el público deje impresa la enigmática belleza de sus imágenes. Una plasmación muy poderosa en la que difícilmente podemos distinguir la vigilia de la quimera, el despertar y el ensueño, atendiendo a partir de esta premisa a la segunda y más compleja definición de textura, la referida al cómputo de los distintos planos de sentido que ofrece la película. Como obra independiente, es voluntad última de la audiencia decidir qué sendero tomar pero su realizador es consciente de la fascinación que ejerce en el auditorio aturdido la práctica imposibilidad de diferenciar entre lo que pertenece a la imaginería de los sueños y lo que simple y llanamente representa los acontecimientos reales. De tal modo nosotros debemos penetrar en una obra como ésta con la clara pretensión de indagar, cada vez con mayor profundidad, en los símbolos y los contenidos significativos que Ratanaruang establece como estratos a lo largo del metraje. Una historia sobre la dificultad de las relaciones de pareja y la caducidad del amor que su director exhibe como juego de sospechas, celos, claves y misterios sin respuesta beneficiado como decíamos por su indudable valía técnica. Cualquier detalle, ya sea un ojo hinchado o el número de una habitación, son piezas del puzzle a descifrar.
Wit y su esposa Daeng regresan a Bangkok procedentes de Estados Unidos para asistir al funeral de un familiar cercano. Ligeramente desorientados por el jet lag, se alojan en un hotel de la ciudad a la espera del cortejo fúnebre. Pero esta pareja desenterrará sus secretos y sus frustraciones a lo largo del curso de una madrugada que se torna en mañana. El primer detonante es un número de teléfono que Daeng halla en el bolsillo de la chaqueta de su marido. Número que desconoce y del que es titular una mujer de la que nunca había oído hablar. Pero su confusión se complica cuando Wit regresa de la cafetería del establecimiento acompañado por Ploy, una niña que espera el retorno de su madre y que el hombre, sorprendido por su descaro y suspicacia, ha decidido invitar a la habitación. Esta acción, reprobada intransigentemente por la mujer, desencadenará lentamente una serie de eventos en los que fusionando constantemente fantasías eróticas y choques con la inevitable objetividad de los hechos se pondrán a prueba la confianza y los verdaderos sentimientos de ambos.
Como en “Inland Empire”, los fantasmas pasearán libremente por las crepusculares habitaciones del hotel, sugiriendo infidelidades, desengaños y confidencias de un matrimonio que puede situarse cercano a su acabamiento.
A pesar de errar en su tramo final, el último largometraje de Ratanaruang es tan sinuoso en su desarrollo como grato en su cometido como productor de estados emocionales, absorbiendo por completo a aquellos que se dejen aprehender por el creciente enrarecimiento de su atmósfera y la pugna progresiva que sus héroes mantienen por recuperar lo insalvable, es decir, su vínculo mortalmente herido. Atractivo y engatusador por ello, “Ploy” encarna la madurez de Ratanaruang, excitado por su experiencia como fabricante de ilusiones y dilemas humanos. Por supuesto, su venidera incursión en el celuloide debería suponer un nuevo avance, pues cualquier paso en falso corre el riesgo de convertirlo otra vez en objetivo de críticas e imputaciones.
David López
"Om Shanti Om" de Farah Khan, Premio del Público
05/05/2008 - 19:37
Como era de esperar (las colas y las sonrisas así lo presagiaban), "Om Shanti Om" de Farah Khan ha sido finalmente la ganadora del Premio del Público del BAFF 2008, si bien "Aliento" de Kim Ki-Duk y "Foster Child" de Brillante Mendoza no han quedado lejos en número de votos.
Con este nuevo respaldo de la audiencia al espectáculo bollywoodiense, un afortunado viajará a la India cortesía de Singapore Airlines.
Este anuncio cierra la décima edición del Festival de Cine Asiático de Barcelona, que regresará en 2009 (entre el 30 de abril y el 9 de mayo) con Japón como país invitado.
En cualquier caso, nuestro reportaje prosigue y a lo largo de esta semana lo completaremos con cuatro entrevistas (Johnnie To, Tran Anh Hung, Shinji Aoyama y Jeon Soo-il) y cuatro reseñas ("Ploy", "Sad Vacation", "Aliento" y "Awaking"). De todas formas aprovechamos la ocasión para agradecer a todo el equipo del festival tanto su misma realización como las comodidades que se nos han dado durante estas diez jornadas, mandando un cariñoso saludo especialmente para Sílvia, Loles, Lucy, Tesin e Im.
Por cierto, si nuestros lectores se unen a la petición manifiesta de Carlos Polite y otros colaboradores/amigos de esta web, puede que hasta colguemos el reportaje de Días de Cine dedicado al BAFF en el que un servidor, convertido en bomba de relojería, hizo una de las apariciones más histéricas que se recuerde en televisión analizando los mejores títulos de la Sección Oficial.
"Useless": ¿aún queda espacio para la creatividad humana?
05/05/2008 - 02:54
Consagrado sin discusión como uno de los grandes maestros de la contemporaneidad, el último galardón que Jia Zhangke recibió en la Mostra de Venecia no hace sino certificar el respeto y la admiración que se profesa por la obra del realizador chino, pieza de culto para festivales de renombre que excepcionalmente ha sido bendecida con imprevisibles ediciones en DVD en nuestro país.
Pero si “Naturaleza Muerta” se convirtió en su carta de presentación para un público selecto más amplio, “Useless”, si bien confirma que Zhangke continúa en plena forma, no es sin más una nueva estocada contra los cimientos de un régimen que se tambalea por el peso de sus lacras crónicas. El penúltimo proyecto del francotirador por excelencia de la Sexta Generación no se conforma con lo que cabría esperar de él, es decir, un sangrante retrato de la China de la precariedad laboral, las injusticias y la violación de los derechos humanos. Zhangke sorprende a propios y extraños dando un paso más allá volcándose en metas inesperadas que sugieren una reflexión mucho más rica y temeraria.
La mirada que “Useless” arroja sobre la industria textil del mayor exportador de ropa del mundo apuesta por la confrontación, por el contraste. Dos cosmovisiones diametralmente opuestas que generan la disyuntiva sobre la que se construye este documento. Frente a la producción masiva destinada al mercado internacional de las grandes firmas, Zhangke aboga por defender una visión artística de la moda, un concepción que para nada responde a los principios de la ley de la oferta y la demanda pero que evoca el sentimiento del artesano, más preocupado por la individualidad de las cosas y la fuerza creativa de la que adolecen por completo las manufacturas y las prendas resultantes de las cadenas masificadas. Por ello, a través de los ojos de la diseñadora Ma Ke se exhibe el panorama de la moda que al margen de la maquinaria empresarial abraza aspiraciones artísticas invitando a contemplar un vestido como un objeto provisto de contenidos significativos e historia, así como portador de recuerdos, que establece un diálogo directo entre el autor del diseño y el comprador que lo adquiere. Una moda no reñida con el ingenio y la inventiva que incluso pueda participar en el prestigioso Salón de París. Fundadora de la primera marca local de ropa, la peculiar filosofía de Ma Ke difícilmente puede tener cabida en esa tendencia a lo Uno que domina nuestra interpretación del devenir planetario. Muy al contrario, en la marasmo comercial que impera sobre las masas paulatinamente se rechaza la exclusividad y la autenticidad que para sí reclama lo artístico, a lo que termina por englobarse bajo la categoría de "lo inútil", lo que carece de funcionalidad en términos de marketing y compraventa. No en vano es así como Ma Ke decide denominar su línea de moda.
Por supuesto, justo cuando parecía que Zhangke nos mostraría además la faceta solidaria y comprometida de Ma Ke (avocada a localizar sus talleres en zonas deprimidas del país), se interesa por la otra cara de la moneda, la temible realidad diaria del sector marginal de la nación. Aunque nos reencontramos con esa China rural y minera cercada por las condiciones extremas que los rostros agotados apenas si pueden disfrazar, sigue inquietando esa economía de pura supervivencia a la que se aferran los anónimas víctimas de la irónica política estructural del gobierno de Pekín. Ni siquiera hablamos ya de trabajadores explotados próximos a la esclavitud que visten diariamente a Occidente, sino de esa mano de obra camuflada que malvive con los dos yuanes que pueden llegar a percibir por un arreglo en un pantalón. Pero ajenos a la maximización de beneficios y la reducción de costos y tiempo empleado, todos, absolutamente todos, no podemos dejar de preocuparnos por nuestro aspecto, obsesionados por nuestra apariencia absortos en esta cultura del cuerpo.
Sorprende análisis no sólo de la cruda situación del gigante asiático, sino concretamente de la crisis de lo que de genuino y singular tiene la producción humana, “Useless” se adhiere plenamente al género documental aunque para alguien que siempre bordea la delgada línea que separa ficción y no ficción cuesta apreciar cuando Zhangke actúa como director de orquesta y coloca las fichas justo en el lugar que desea. Pero como ya había dejado claro con anterioridad, como documentalista no tiene parangón y su pulcritud y su refinamiento no son casuales. Es más, su reposada aproximación a aquello que trata de captar con su objetivo recurriendo a travellings suaves y sutiles no permite objeción: Zhangke es un realizador de una sensibilidad extraordinaria para apresar lo excepcional de lo real.
A la espera de las reacciones que “24 Cities” provoque en Cannes, “Useless” exige la misma oportunidad que “Naturaleza Muerta” obtuvo en salas (muy distinguidas, eso sí), aplaudiendo como no la valentía del público que hoy llenó la sala 2 del Aribau Club.
David López
"Peep TV Show": lolitas suicidas
05/05/2008 - 01:07
Lejos de la disciplina nipona , del sentimiento de colectividad que los caracteriza, del esfuerzo común para la creación de una nación próspera y competitiva, el director japonés Yataka Tsuchiya retrata en su film “Peep TV Show” una subcultura que ha emergido en la isla durante la última década , Gothic Lolitas, cuyas ideas hacen tambalear el legado milenario de sus ancestros.
Al margen de los lazos de fraternidad que fomenta esta sociedad, tan exigente para consigo misma, aparece en un sector juvenil un sentimiento de negación y hostilidad hacia la nación, un nihilismo que termina provocando conductas neuróticas. Un descontento que se refleja y se enmascara en subculturas urbanas.
“Peep TV Show” es un film experimental que emula el estilo documental, mezclado con la ficción, y en muchos momentos cercano al video arte. Su director nos invita a observar el quehacer diario de un grupo de jóvenes, ciberpunks, aburridos y hastiados de sus cómodas vidas, rodeados de tecnología de última generación y reclutados en sus habitaciones que parecen más instalaciones artísticas que el cuarto de un joven o un adolescente. El contacto con el mundo dependerá por entero de la red y este aislamiento social termina despertando en ellos uno instinto agresivo y destructivo.
Las lolit@s niponas de atrevida y excéntrica vestimenta esperan encontrar la salvación en una estética que refleja un modo de vida y un sentir. La imaginería de la que se sirven fomenta sobremanera el consumo, el status entre ellos dependerá de lo que llevan puesto. Con su indumentaria intentan esconder una falta de seguridad, una inseguridad que no consiguen sepultar. No llevan un determinado atuendo por fetichismo, ni por provocar miradas, sino por convencerse así mismos de su propia interpretación del mundo, lo utilizan como refuerzo. Los mueve la búsqueda constante de la belleza, pero entendida de una manera fúnebre. La muerte será la morada de lo bello. La vida merecerá la pena si su cumplimiento y acabamiento se consuma en el suicidio. En el horror y en la desolación reside lo sublime.
En la cosmovisión de estos jóvenes el odio tiene un papel preponderante. Sienten rencor y asco hacia su propio país, a sus costumbres, a las rememoraciones patrióticas por los caídos en combate. No sólo proyectan este sentimiento hacia el exterior, sino que también se desprecian a sí mismos. Muestran una terrible insensibilidad hacia todo, e incluso a la propia vida. Obtienen excitación a través del dolor y del sufrimiento, gracias a él se sienten vivos. Elogian los atentados terroristas, son la máxima expresión del destino inevitable del hombre. Los atentados del 11-S son vistos como obra de maestra. El suceso es contemplado como si de una obra de arte se tratase. ¡Qué magnífica visión!, exclaman al ver el video una y otra vez . Suspiran por que se produjese una situación idéntica en Tokio. Justifican la violencia apelando a la crueldad del ser humano, algo así no tiene arreglo, la realidad está totalmente echada a perder. ¡Los mataría a todos y después me mataría yo!, dice uno de los protagonistas.
La realidad aparecerá filtrada por Internet, todo contacto con el mundo exterior está mediatizado por la red. La web más visitada, Peep TV Show. En ella se dan cita jóvenes que coinciden en cuanto a desidia y desequilibrio mental se refiere, se conectan para poder mirarse unos a otros, compartiendo su aislamiento y desinterés a través de sus webcam. Disfrutan espiando.
María José López Navarro
"Funuke, Show Me Some Love, You Losers!": La familia, bien, gracias
03/05/2008 - 14:34
Inspirándose en la novela homónima de Yukiko Motoya, Yoshida Daihachi debuta como escritor y realizador cinematográfico (al menos en el terreno del largometraje) con “Funuke, show some love, you losers!”, una rabiosa comedia dramática de carrera triunfal en festivales de todo el mundo que nosotros hemos abrazado ya como una de las mejores producciones japonesas de la presente temporada.
Precedido por su notorio trabajo en el mundo publicitario, Daihachi da buena cuenta de su experimentada carrera en éste ofreciendo un producto puntero en el apartado técnico, con un acabado formal refulgente, donde las explosivas gamas cromáticas casan a la perfección con la folletinesca y furibunda cotidianeidad de la familia Wago. La avasalladora sensación de contemplar la encarnación en carne y hueso de un cómic enardecido e irreverente se debe efectivamente al excelente trabajo de su director y a su reparto, felizmente congratulado con una historia que remite directamente a las teleseries más delirantes y jocosas del universo televisivo nipón (no en vano encontramos aquí rostros conocidos que los fanáticos del dorama identificarán con facilidad).
Tras abrir el telón con un aparatoso y macabro accidente en el que fallecen sus padres (ferozmente gráfico, gato espachurrado incluido), los hermanos Wago se reúnen al completo después de una larga separación. Sumika, la hermana mayor (Eriko Sato, la estrella de la versión live action de “Cutie Honey”), regresa de Tokio, no tanto por el fallecimiento de los progenitores como por la escasez de fondos para mantenerse y continuar sus estudios en la escuela de interpretación en la que lucha por obtener la oportunidad que tanto ansía. Ya en Secundaria, Sumika aspiraba a marcharse a la capital con la esperanza de ser fichada por un director de prestigio que la lanzase al estrellato, pero la negativa de sus padres la obligó a conseguir dinero por vías más indecorosas. Aunque en el fondo su escaso talento no le augura un futuro demasiado prometedor. Caprichosa y estirada, Sumika culpa a su hermana pequeña Kyomi (Aimi Satsukawa) de su desastrosa situación. Tímida y reservada, Kyomi demostró precozmente su talento y su sensibilidad como guionista y dibujante de manga, y a pesar de ser galardonada con tan solo catorce años, airear las miserias de su disfuncional familia en sus viñetas se pagó demasiado caro. La llegada de su hermana mayor retrotraerá la revancha de antaño y Kyomi tendrá que alternar su trabajo de media jornada con los sádicos juegos de Sumika. Finalmente se nos presenta a Shinji (Masatoshi Nagase), sufrido hermanastro de ambas que desde hace años mantiene en secreto un tórrido romance con Sumika que ha motivado que su esposa (Haromi Nagasaku), una mujer ingenua, atenta y estrictamente servicial a la que conoció a través de una agencia, aún no haya disfrutado de los placeres de la vida limitándose a sus obsesivas tareas domésticas y a crear muñecos que parecen protagonistas de la más siniestra de las pesadillas.
Con este plantel de nefastas relaciones, Daihachi destruye por completo cualquier atisbo de optimismo o esperanza en lo referido a los vínculos familiares o primarios, aunque sin alcanzar la sangría de “Sad Vacation” de Shinji Aoyama. Los traumas, conflictos y confidencias de los Wago reflejan sin embargo esa tendencia sadomasoquista que explota en el desternillante cierre de la película, demostrando que a pesar del resentimiento se necesitan los unos a los otros, para bien o para mal.
Su desmadrada colección de personajes al límite empareja con la viveza estética y la inventiva visual de la que su autor hace gala a lo largo del metraje, al que no le faltan sus dosis de comedia oscura y bizarra, humor negro, amor loco y drama desvergonzado. Parodia de estereotipos y deconstrucción maquiavélica de tantos y tantos valores sagrados, Daihachi da finalmente la vuelta a la tortilla cuando los espectadores ya se habían rendido ante esta nueva hoja de ruta para la producción local y logra uno de los desenlaces más pérfidos y astutos de la cosecha.
Fresco, osado y ladino. Así es como queremos que sea el futuro cine japonés aún por llegar. “Funuke” por lo pronto no podría habernos causado más regocijo.
David López
"Sparrow": Hong Kong I Love You
03/05/2008 - 11:28
Como el propio Johnnie To indicó en la presentación previa al estreno nacional de su última película, ésta podría convertirse en una auténtica sorpresa para sus seguidores más acomodados, los mismos que identifican exclusivamente la obra de su autor con thrillers rompedores como “Election” o “Breaking News” y olvidan que su extensa filmografía siempre ha destacado por todo menos por la estabilidad y la continuidad.
Y no es que To imprevisiblemente cambie de registro o apueste por nuevas fórmulas narrativas y formales. Simplemente se esfuerza en ofrecer una película para todos los públicos en un sentido amplio, un film perfectamente disfrutable para una audiencia holgada que acudiría en masa a las salas de cine si la producción fuese estadounidense y el reparto lo constituyesen estrellas del firmamento hollywoodiense. Porque su particular homenaje a la ciudad que lo vio nacer como persona y como director (Hong Kong) también lo es a su figura, a su estilo, a sus inseparables compañeros de profesión y, en definitiva, a sus incondicionales, a los que regala apasionado un dulce, un trabajo juguetón, refinado y elegante de embriagador toque clásico que hará las delicias incluso de alguno de sus detractores.
Simon Yam es el irresistible truhán que lidera una banda de pícaros rufianes entre los que se encuentran otros habituales de la casa como Lam Ka Tung. Kei y sus tres hermanos se dedican a robar carteras y relojes a turistas y transeúntes despistados en el centro de la ciudad con una sutileza y una destreza que transfiguran su juego diario de supervivencia en un ballet perfectamente planificado y ejecutado. En su ocioso tiempo libre, Kei pasea en bicicleta por las calles de Hong Kong fotografiando aquellos pequeños detalles que la frenética transformación de la gran urbe asiática aún no ha podido arrinconar. Es aquí donde su realizador rinde tributo a una ciudad que muta y evoluciona pero que en esencia querría seguir siendo la misma. Su sobrecogedor skyline y su bullicioso espacio público en armonía con la danza cotidiana de sus habitantes. Ésa es la metrópoli de To pero también de Kei, obstinado en realizar en blanco y negro sus fotografías, pues el color engaña, difumina la verdadera inherencia de la capital que tanto ama. Sin perder el tono amable y risueño, los cuatro bribones acabarán en un aprieto cuando conozcan a una atractiva joven (Kelly Lin), encuentro para nada azaroso y que los obligará a demostrar el potencial de sus habilidades. Del mismo modo que el gorrión comparte su nombre con el de los carteristas en el argot local, la joven es un hermoso pájaro enjaulado, prisionera de un hombre de avanzada edad que guarda bajo llave su pasaporte y que la vigila ininterrumpidamente. Fascinados por la belleza y la aparente fragilidad de ésta, Kei y sus compañeros no tardarán en demostrar que los granujas también tienen su flaquezas.
Así es el libreto de Chan King, Fung Chih y el equipo creativo de Milkyway Image. Tópico y recurrente pero provisto del hechizo y la seducción que precisamente nos hace sonreír durante todo el metraje e invoca la plena simpatía hacia unos personajes al margen de la ley, tal y como ya ha sucedido en otras piezas de su director. Como la cuadrilla de Sinatra pervertida por Soderbergh para la posteridad, To otorga clase y estilo a estos entrañables golfos, dotando al film de esa pincelada chic, sofisticada y erótica que la trama requería. Y en ese sentido, dos menciones muy importantes. La primera, su banda sonora, acertada y maliciosa, una veneración devota a otros tiempos de la que tan buen partido han sacado grandes plagiadores del cine contemporáneo. La segunda, su desenlace, una palpitante y exquisita coreografía bajo la lluvia en la que las pistolas del pasado se sustituyen por paraguas y en la que Kei hace frente a la prueba de fuego que razonará su valía como carterista. Impagable.
Por supuesto, podríamos reseñar inevitablemente el ejercicio técnico de To. Soberbio, desmedido, rítmico, casi musical. Planos y travellings que continúan dejándonos boquiabiertos y que hacen palidecer a sus más próximos competidores. Ninguna novedad al respecto, pero en esta ocasión clamaría por su exclusivo visionado en pantalla grande, el único lugar privilegiado donde el Hong Kong de To puede desvelarse en todo su esplendor.
No estamos ante ninguna obra maestra, no hay profundidad ni complejidad alguna, sino puro entretenimiento pero con distinción y gusto. Quien busque sobriedad y aspereza, chocará con un producto radiante y travieso. Y qué quieren que les diga, este “Sparrow” es una gozada.
David López
"With a girl of black soil" y "Secret Sunshine", triunfadoras del BAFF 2008
03/05/2008 - 00:23
"With a girl of black soil" de Jeon Soo-il (Durián de Oro) y "Secret Sunshine" de Lee Chang-dong (Premio Cinematk) han sido las grandes triunfadoras de la décima edición del Festival de Cine Asiático de Barcelona - BAFF 2008.
El jurado que conforman Tran Anh Hung, Keiko Araki, Kim Dong-Ho y Daniel Pérez tal vez haya apostado por un palmarés conservador y previsible pero no por ello menos merecido. Jeon Soo-il ha recogido personalmente su galardón arropado por el público que ha asistido a la clausura en el Espacio Movistar. Poco antes de la gala hemos intentando entrevistarlo pero la premura de las circunstancias apenas si nos ha permitido formular tres preguntas. Tal vez mañana la podamos finalizar. Y esperemos cumpla la promesa y en 2009 presente en Barcelona su nuevo proyecto, del que ya hemos dado cuenta en alguna ocasión en Séptimo Vicio.
En cuanto al Premio de la Sección D-Cinema, éste ha sido para "Bamboo Shoots" de Jian Yi. Alejandro G. Calvo, Marion Klomfass y Daniel Tubau eran el jurado de esta sección cada vez más pujante e interesante.
Tras la entrega de premios y el particular homenaje de la organización al público del festival, Johnnie To ha presentado "Sparrow" que posteriormente se ha proyectado en primicia nacional.
En la zona VIP nos ha quedado claro que Tran Anh Hung no sólo es un magnífico realizador sino además una persona encantadora. Acompañado por su bellísima esposa y sus dos hijos, Tran se ha aproximado a nosotros para saludarnos interesándose por la marcha de nuestro reportaje del festival. Derrocha simpatía y amabilidad.
Cuando Tsai Ming-liang encontró a Arbol y Fibla
02/05/2008 - 00:53
Mágica, taciturna, inolvidable. Así es "Goodbye, Dragon Inn" de Tsai Ming-liang. Melancólica, retrospectiva y sugestiva. Así es la banda sonora compuesta por Arbol y Fibla para una ocasión irrepetible: el Festival de Cine Asiático de Barcelona celebra su décimo aniversario.
Un Apolo lleno hasta la bandera acogía entre vitores y aplausos una velada inusual: la fusión en directo del celuloide incorruptible de Ming-liang y la electrónica orgánica y experimental de Arbol y Fibla. Un acontecimiento singular que queda inscrito en la historia única e inacabada del BAFF, un cúmulo de sensaciones que atiende al misterioso embrujo de la sala de cine, la misma que aún nos fascina y emociona. Imborrable estampa para el anecdotario de esta edición que el público ha saludado como un evento de esta talla merecía. ¡Y ojalá podamos regresar allí para celebrar muchos cumpleaños más!
¡Johnnie is here!
01/05/2008 - 15:49
En compañía de su inseparable Wai Ka Fai, Johnnie To aterrizó ayer en Barcelona con la expectación que siempre genera la visita de la cabeza visible del Hong Kong noir.
Entrevista largamente esperada, esta mañana hemos podido charlar con el director de "Election" acompañados por Gloria Fernández de CineAsia y Xavi S. Pons de MondoSonoro, dos medios imprescindibles que seguimos desde hace tiempo con interés.
Apacible y suspicaz, Mr. To ha contestado a nuestras nueve cuestiones (la apretada agenda no daba más de sí) en las que no hemos olvidado la actual situación de la producción made in Hong Kong y su futuro remake de "El Círculo Rojo" de Jean-Pierre Melville. Necesitaría varias reencarnaciones para agradecer lo suficiente a Sílvia Grumaches su continuo apoyo y ayuda, especialmente hoy, afectado un servidor por los nervios propios del fan fatal.
Al finalizar la entrevista, To amablemente me ha dedicado 5 DVDs de algunos de los títulos más destacados de su filmografía, incluyendo las ediciones hongkonesas de "Mad Detective" y "Linger". Lo que más le ha sorprendido (si descontamos la sonrisa que le ha provocado que hubiese comprado su última incursión en el melodrama romántico) es la caja de la edición española de "Election 2". Tras la firma su traductor nos ha realizado prácticamente un completo reportaje gráfico, dejándonos atónitos con su insistencia por tomar más fotografías. ¡Qué lujo!
A las 20:00 Johnnie To compartirá una tanda de preguntas y respuestas con el público que asista al pase de "The Mission" en el Aribau y mañana presentará "Sparrow" en el Espacio Movistar. Y esta noche velada excepcional en la sala Apolo con la proyección de "Goodbye, Dragon Inn" de Tsai Ming-liang con una banda sonora creada especialmente para la ocasión que será interpretada en directo por Arbol y Fibla. Será a las 21:30. La entrada a 9 euros, cerveza Tiger incluida.
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